"Is There Anybody Out There?" no es solo otro blog de música; es una expedición arqueológica sonora que desentierra tesoros musicales sepultados por el tiempo y el olvido. Con la pasión de un detective y el corazón de un poeta, el señor X se sumerge en las profundidades de álbumes que, aunque fundamentales, han sido injustamente relegados a las sombras de la historia musical prometiendo sacudir el polvo de esos vinilos olvidados. Cada entrada es una odisea que nos lleva de vuelta al momento en que estos discos vieron la luz, desentrañando las circunstancias que los vieron nacer y el eco que dejaron en el mundo. El blog no se conforma con reseñas superficiales. Aquí, la música se disecciona con el cuidado de un cirujano y se analiza con la minuciosidad de un científico. Pero no te equivoques, no es un ejercicio frío y académico. El señor X inyecta en cada palabra la pasión de un fan y la narrativa cautivadora de un contador de historias. "Is There Anybody Out There?" es más que un nombre; es un grito de guerra, un llamado a todos los amantes de la música a unirse en esta cruzada por redescubrir las joyas perdidas del panorama musical. Es una invitación a abrir los oídos y la mente, a sumergirse en sonidos que quizás pasamos por alto la primera vez, pero que merecen una segunda, tercera y enésima escucha. En un mundo saturado de listas de reproducción algorítmicas y éxitos prefabricados, este blog se erige como un faro para aquellos que buscan algo más profundo, más auténtico. Es un recordatorio de que detrás de cada disco hay una historia esperando ser contada, una pieza del rompecabezas cultural que merece ser encajada. Así que, si alguna vez te has preguntado si hay alguien más ahí fuera que aprecia la música como tú, que busca significado en cada nota y poesía en cada acorde, la respuesta es un rotundo sí. Y ese alguien te está esperando en "Is There Anybody Out There?", listo para embarcarse contigo en un viaje musical que promete ser tan emocionante como revelador.

sábado, 15 de noviembre de 2025

ESPECIAL NOVIEMBRE 2025 Robert Plant "Mighty ReArranger 2005"

Robert Plant – Mighty ReArranger (2005)
El viaje interior de un viejo chamán del rock


Hay artistas que envejecen con sus discos, y otros que los usan para desafiar al tiempo. Robert Plant pertenece a este segundo grupo. En Mighty ReArranger, publicado en 2005 junto a su banda The Strange Sensation, Plant no intenta ser el dios dorado de los setenta. Aquí no hay dragones, ni guitarras que rugen como tormentas. Lo que hay es un hombre maduro, curioso, inquieto, que mira al mundo con asombro y duda a partes iguales.

Desde el primer acorde de “Another Tribe”, se nota que el viaje será distinto. La percusión suena como arena golpeando una tienda en medio del desierto, mientras la voz de Plant flota entre guitarras que parecen venidas del Magreb. El rock, el blues y el misticismo árabe se funden en algo vivo, respirante. No hay artificio: todo vibra.

Plant suena cómodo en su piel. Ya no grita para dominar la canción; la acaricia, la susurra, la deja respirar. En “Shine It All Around”, probablemente el tema más accesible del disco, brilla una energía positiva, casi espiritual. Es como si el viejo viajero hubiera encontrado un punto de equilibrio entre la pasión y la serenidad.

El título, Mighty ReArranger, alude a una fuerza invisible que reordena el destino. Plant reflexiona sobre el caos del mundo moderno, las guerras, la religión, la identidad… pero lo hace sin sermonear. Habla desde la duda, no desde la certeza. En “The Enchanter”, el hechicero no es un ser místico, sino el propio músico, invocando el poder de la música para entender el mundo.

Luego llega “Tin Pan Valley”, uno de los momentos más intensos del álbum. Allí Plant lanza dardos contra el circo del rock y su propio pasado:

“And if you feel the blues, well you can get that too.”

Canta con ironía, consciente de que el público sigue esperando al antiguo Plant, al rubio de melena leonina que gritaba “Whole Lotta Love”. Pero ese ya no está aquí. El que canta ahora es un hombre que ha visto el mundo, que ha entendido que la furia también puede ser silenciosa.

Mighty ReArranger suena a viaje: por el desierto, por la memoria, por la espiritualidad. “All the King’s Horses” baja las pulsaciones y muestra el lado más íntimo de Plant. Es una canción sencilla, cálida, con una voz que abraza más que conquista. En “Takamba”, la influencia africana y los ritmos tribales se apoderan del sonido, y parece que Plant sonríe mientras canta. Hay gozo en su búsqueda.

El cierre con “Brother Ray” es puro símbolo: un blues espectral que suena a despedida y renacimiento al mismo tiempo. El eco de Ray Charles se mezcla con el de un chamán del rock que, después de tanto camino, parece haber encontrado su propia fe en la música.

El mérito de este disco no es solo de Plant. Su banda, The Strange Sensation, es el alma que da forma a las visiones del cantante. Justin Adams y John Baggott, expertos en sonidos árabes y texturas electrónicas, crean paisajes llenos de matices, donde conviven loops, darbukas, órganos y guitarras con slide. Todo encaja sin esfuerzo. Es un sonido moderno, pero con raíces; un puente entre lo ancestral y lo digital.

Cuando salió, muchos críticos lo llamaron “el mejor disco de Plant desde los ochenta”. Pero Mighty ReArranger es más que eso: es el punto donde Robert Plant se reconcilia consigo mismo. Después de décadas intentando escapar de su sombra zeppeliana, aquí logra lo que parecía imposible: ser libre.

Y esa libertad se nota en cada acorde, en cada respiración, en cada silencio.

Escuchar Mighty ReArranger hoy es como abrir un diario espiritual. No es un álbum que se consuma rápido; es uno que te acompaña. Con cada escucha, aparecen nuevos detalles, nuevas preguntas.

Robert Plant ya no ruge: medita. Ya no busca conquistar escenarios, sino almas.

Y quizá ahí esté su mayor triunfo: haberse convertido, sin quererlo, en el sabio que el rock necesitaba.

Lista de canciones

Todas las canciones escritas por Robert Plant, Justin Adams, John Baggott y Liam Tyson.

«Another Tribe» 3:17

«Shine It All Around» 4:03

«Freedom Fries» 2:53

«Tin Pan Valley» 3:47

«All the Kings Horses» 4:20

«The Enchanter» 5:27

«Takamba» 4:06

«Dancing in Heaven» 4:26

«Somebody Knocking» 3:47

«Let the Four Winds Blow» 4:52

«Mighty ReArranger» 4:25

«Brother Ray» 8:58

Pistas adicionales en remasterización de 2007

N.º Título Duración

«Red, White and Blue» 3:11

«All the Money in the World» 3:12

«Shine It All Around» (Girls remix) 7:35

«Tin Pan Valley» (Girls remix) 6:20

«The Enchanter» (reconstrucción de Unkle) 6:50


A diferencia del primer álbum grabado con Strange Sensation, Mighty ReArranger logró una positiva recepción en varios mercados mundiales. Por ejemplo, en el Reino Unido alcanzó el puesto 4 en los UK Albums Chart, siendo su primer disco desde Pictures at Eleven de 1982 en entrar en los top 5 de dicho conteo.

A los pocos días de su lanzamiento en su propio país se certificó con disco de plata por la BPI, luego de vender más de 60 000 copias. Por su parte, en los Estados Unidos llegó hasta la posición 22 de la lista Billboard 200 y sus ventas no son suficientes para obtener alguna certificación discográfica en mencionado país. En cuanto a su promoción, se pusieron a la venta dos canciones como sencillos, siendo «Shine It All Around» el único en entrar en la lista estadounidense Mainstream Rock Tracks en el puesto 18 y en el conteo inglés de sencillos en la casilla 32.

Al igual que su antecesor, en 2006 fue nominado en dos categorías de los premios Grammy; a la mejor interpretación vocal de rock solista por «Shine It All Around» y a la mejor interpretación de hard rock por «Tin Pan Valley».


La gira de Mighty ReArranger (2005–2006)
El renacer del viajero del rock

Cuando Robert Plant lanzó Mighty ReArranger en la primavera de 2005, no solo presentó un nuevo álbum: presentó una nueva visión de sí mismo. La gira que siguió —que se extendió entre abril de 2005 y finales de 2006— fue mucho más que una promoción del disco. Fue la confirmación de que Plant podía mirar al pasado con orgullo, pero seguir adelante con curiosidad y fuego creativo.

Una gira de espíritu global
El tour fue verdaderamente internacional:

Plant y The Strange Sensation recorrieron Europa, Norteamérica, Australia y Asia, ofreciendo conciertos en teatros, festivales y escenarios al aire libre donde el sonido pudiera respirar.

Entre los lugares más recordados figuran:

Glastonbury Festival (Reino Unido, junio de 2005) – un concierto vibrante y espiritual, con un Plant descalzo y radiante, que ofreció una de las actuaciones más celebradas del festival ese año.

Royal Albert Hall, Londres (diciembre de 2005) – un regreso majestuoso a casa, con una mezcla perfecta entre el Plant mítico y el Plant renovado.

Estados Unidos (verano 2005) – una serie de fechas en clubes y auditorios medianos, donde Plant apostó por la cercanía en lugar de la grandilocuencia.

También actuó en lugares menos habituales, como Europa del Este y Escandinavia, mostrando su voluntad de llegar a públicos diversos, lejos del circuito de nostalgia rockera.

La banda: The Strange Sensation en su apogeo

La formación de The Strange Sensation fue clave para el sonido y la energía del tour:

Justin Adams (guitarra, productor y motor creativo)

John Baggott (teclados, electrónica, loops)

Skin Tyson (guitarra rítmica)

Billy Fuller (bajo)

Clive Deamer (batería)

En directo, eran una máquina fluida y orgánica. No replicaban las canciones del álbum al pie de la letra, sino que las reinventaban cada noche. La mezcla de percusiones tribales, guitarras desérticas y pasajes psicodélicos creaba una atmósfera casi ritual.

Plant no lideraba como una estrella: se integraba como un miembro más del grupo, guiado por la música.

El repertorio: equilibrio entre presente y pasado

El setlist era una declaración de principios. Aproximadamente la mitad del concierto la ocupaban temas de Mighty ReArranger, interpretados con intensidad y frescura:

“Shine It All Around”

“Another Tribe”

“The Enchanter”

“Tin Pan Valley”

“Takamba”

“All the King’s Horses”

“Freedom Fries”

Pero Plant también sabía que su historia con Led Zeppelin era parte de su ADN. Así que intercalaba versiones reinventadas de clásicos como:

“Black Dog” – transformada en un blues africano hipnótico, con percusiones del Sahel y guitarras distorsionadas.

“Whole Lotta Love” – reinterpretada con fragmentos de “Who Do You Love” o “Bukka White’s Fixin’ to Die”, conectando el rock con su raíz blues.

“When the Levee Breaks” – lenta, mística, con un groove que parecía salir de las entrañas de la tierra.

También rescató algunas joyas de su carrera en solitario, como “Morning Dew” o “Big Log”, reimaginadas con el sonido atmosférico de The Strange Sensation.

Plant aparecía en escena relajado, sin artificios. Vestía ropa sencilla, a veces descalzo, moviéndose con esa mezcla suya de elegancia y trance.

Su voz, más profunda y expresiva que nunca, no buscaba las alturas imposibles de antaño; prefería el susurro, la cadencia y la emoción pura.

En lugar de ser un recital de “grandes éxitos”, cada concierto era una ceremonia sonora, una travesía por desiertos reales e interiores.

El público, lejos de reclamarle Zeppelin, lo acompañaba en ese viaje. Había respeto, conexión, una sensación de estar viendo a un artista que sigue creciendo.

Aunque no hubo un álbum oficial en vivo de la gira, circulan grabaciones de altísima calidad (como los conciertos de Glastonbury 2005 y Royal Albert Hall 2005) que capturan la fuerza del tour. Algunos temas en directo aparecieron más tarde como bonus o en emisiones de la BBC.

Los fans y críticos coinciden: fue una de las etapas más inspiradas de Plant desde los años 70.

La gira Mighty ReArranger fue, en cierto modo, el final de una etapa y el inicio de otra.

Tras ella, Plant empezó a mirar hacia la música americana, lo que desembocaría en su colaboración con Alison Krauss en Raising Sand (2007).

Pero el espíritu aventurero, libre y mestizo de The Strange Sensation siguió vivo en sus siguientes proyectos, como Band of Joy y Sensational Space Shifters.

En retrospectiva, esta gira no fue una simple promoción de un disco, sino una declaración artística: la prueba de que Robert Plant no necesitaba mirar atrás para seguir siendo relevante.

Aquel chamán del rock había encontrado su nuevo altar: el escenario, la tierra, el ritmo, la vida.


BOOTLEGS DESTACADOS DE LA ERA MIGHTY REARRANGER

Robert Plant - 01-01-2006 - London



Ese concierto de Robert Plant And The Strange Sensation – 1 de enero de 2006 en Londres es uno de esos eventos que generan cierta confusión entre los coleccionistas y seguidores más meticulosos, ya que no fue un concierto público propiamente dicho, sino una actuación especial de Robert Plant & The Strange Sensation, grabada en Londres a finales de 2005 o comienzos de 2006, y posteriormente emitida en 2006 por la BBC.

A menudo aparece fechada como “01-01-2006 London” en archivos de bootlegs o bases de datos de conciertos porque se desconoce la fecha exacta de la grabación, y el “01/01” se usa como marcador genérico de año. Sin embargo, la sesión pertenece al periodo posterior a la gira de “Mighty ReArranger” (2005), cuando Plant y su banda estaban en un momento de plenitud creativa.

Robert Plant And The Strange Sensation - 2006-01-01 - BBC Maida Vale Studios

BBC FM Broadcast


01. Shame On You

02. DJ Intro

03. Another Tribe

04. Interviews

05. Girl Of The North Country

06. DJ

07. Let The Four Winds Blow

08. Interview

09. When The Levee Breaks

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Robert Plant - Berlin, Germany 2005


Robert Plant & The Strange Sensation – Berlín, Alemania, abril de 2005 es uno de los momentos más interesantes de su etapa Mighty ReArranger. Se trata de una actuación de las primeras de la gira europea de primavera de 2005, realizada justo cuando el álbum Mighty ReArranger acababa de publicarse (abril de ese mismo año). Es un show intenso, místico y experimental, donde Plant y su banda redefinieron qué podía significar ser una “estrella de rock” madura.

Esta grabación incluye seis canciones de Led Zeppelin con diferentes arreglos y cuatro temas del álbum The Mighty Re-Arranger lanzado el mismo año.

Track List:


01 No Quarter

02 Black Dog

03 Freedom Fries

04 Four Sticks

05 That's The Way

06 All The Kings Horses

07 Band Introduction

08 Takamba

09 Tin Pan Valley

10 Babe I'm Gonna Leave You

11 Whole Lotta Love

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Robert Plant - Scala London 2005 



Robert Plant & The Strange Sensation en la Scala de Londres, el 27 de abril de 2005, es uno de los directos más emblemáticos y perfectos de su etapa Mighty ReArranger.

Se trata de un show grabado y emitido por la BBC (BBC Radio 2 / BBC 6 Music) pocos días antes de la publicación oficial del álbum, por lo que funciona como una presentación pública del nuevo material y una reafirmación de Plant como artista plenamente vigente.

'Scala London 2005' Mighty ReArranger Tour Scala, London, England

Wednesday April 27th, 2005

Recorded date: 2005-04-27

Broadcast date: 2005-05-14

FM (off air) Radio2 Broadcast

Track List:


01. Intro

02. Another Tribe

03. Shine It All Around

04. Black Dog

05. Freedom Fries

06. Tin Pan Alley

07. Gallows Pole

08. Mighty Rearranger

09. The Enchanter

10. Whole Lotta Love

11. Outro

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Robert Plant - Studio 104, Paris 2005




Robert Plant & The Strange Sensation – Studio 104, Maison de la Radio, París, 2005 es uno de los más refinados, espirituales y mejor grabados de toda la era Mighty ReArranger.

Se trata de una actuación en estudio con público reducido, grabada en abril o mayo de 2005 para la radio pública francesa France Inter (en el espacio “Black Session”), justo cuando el álbum Mighty ReArranger acababa de publicarse.

Fue un concierto gratuito, lo único que necesitabas era ir allí y pedir una invitación durante la semana anterior al espectáculo.


Robert Plant & The Strange Sensation "Studio 104", Maison de la Radio, Paris, France

June 9, 2005

2005 Paris, France (FM)


1. Shine It All Around

2. Black Dog

3. Freedom Fries

4. When the Levee Breaks

5. All the King's Horses

6. Takamba

7. Tin Pan Valley

8. Gallows Pole

9. The Enchanter

10. Whole Lotta Love

11. Another Tribe

12. Morning Dew [cut]

13. Babe I'm Gonna Leave You

14. Mighty ReArranger


Robert Plant (vocals)

John Baggott (keyboards and synthesizer)

Billy Fuller (electric and stand-up bass)

Clive Deamer (bendir and drums)

Justin Adams (bass, bendir, lap steel guitar, mandolin, tehardant)

Skin Tyson (bass, acoustic, electric and lap steel guitars)

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Robert Plant Nashville 2005


Robert Plant & The Strange Sensation – Ryman Auditorium, Nashville, Tennessee, 29 de junio de 2005 es uno de los momentos más mágicos y trascendentes de toda la gira Mighty ReArranger.

Grabado en un lugar histórico —el Ryman Auditorium, antiguo hogar del Grand Ole Opry y templo de la música estadounidense—, este show captura a Plant en comunión espiritual con el público y con sus raíces.

Se trata de un concierto auténtico, profundo y brillante, donde se fusionan rock, blues, folk y misticismo oriental con una naturalidad asombrosa.


Robert Plant And The Strange Sensation Mighty ReArranger Tour

Ryman Auditorium Nashville, Tennessee, USA Wednesday June 29th, 2005


Soundboard Recording

Track List: 

Disc 1:

101. No Quarter

102. Shine It All Around

103. Black Dog

104. Freedom Fries

105. Darkness Darkness [Jesse Colin Young cover]

106. That's The Way 

107. Tin Pan Valley

108. Heartbreaker

109. Mighty Rearranger

201. Gallows Pole

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Los bootlegs de la gira Mighty ReArranger son una ventana fascinante al Plant más libre y explorador.

En ellos se escucha cómo el viejo chamán del rock redescubre el poder de la música, mezclando raíces africanas, psicodelia, blues y electrónica con una naturalidad asombrosa.

Si tuvieras que elegir solo uno o dos, los de Scala de Londres y Berlín, son imprescindibles. El primero captura la energía en estado puro; el segundo, la maestría y profundidad del artista.

martes, 14 de octubre de 2025

ESPECIAL OCTUBRE 2025 - Electric Light Orchestra - "On the Third Day (1973)"



On the Third Day (1973) – Electric Light Orchestra “Entre el cielo y la tierra”

El año 1973 fue una etapa de transición para la Electric Light Orchestra, un grupo que aún estaba definiendo su identidad, pero que ya dejaba ver la ambición desmesurada de Jeff Lynne: unir el poder eléctrico del rock con la nobleza y dramatismo de la música clásica. Tras los primeros discos, que todavía llevaban la huella de Roy Wood (cofundador que pronto abandonaría), Lynne tomó definitivamente las riendas y convirtió a la banda en un laboratorio sonoro. Ese laboratorio cristalizó en On the Third Day, su tercer álbum de estudio.

Más que un disco, On the Third Day se siente como un lienzo donde el grupo intenta pintar con todas las gamas posibles: guitarras afiladas, chelos que rugen, violines que lloran, armonías vocales que parecen llegar desde el espacio. No es todavía el sonido redondo y accesible que vendría con Eldorado o A New World Record, pero sí un testimonio de un grupo que experimentaba sin miedo.

El álbum tiene algo casi conceptual: los primeros temas fluyen como si fueran movimientos de una única pieza. Desde el arranque con “Ocean Breakup / King of the Universe”, queda claro que Lynne estaba más preocupado por transmitir una experiencia sonora que por colocar singles en la radio. La canción abre con un dramatismo cósmico, una especie de fanfarria de cuerdas que inmediatamente se ve interrumpida por la electricidad de la guitarra. Ahí empieza ese vaivén entre lo orquestal y lo rockero, que es la esencia de ELO.

Le sigue “Bluebird Is Dead”, una canción melancólica y etérea que muestra la faceta más delicada de Lynne como compositor. El título, con esa carga poética, refleja bien la sensibilidad que se esconde detrás de su imagen de geniecillo eléctrico. “Oh No Not Susan” cambia el tono hacia algo más personal y reflexivo, casi íntimo, mientras que “New World Rising / Ocean Breakup (Reprise)” cierra este primer bloque con un estallido de optimismo y energía que parece invocar un futuro mejor. En posteriores ediciones se cerraría con “Showdown”, probablemente el gran clásico del álbum. Esta fue la primera vez que ELO realmente consiguió un hit internacional. Con su groove funky, sus cuerdas enérgicas y la voz apasionada de Lynne, la canción mostraba lo que el grupo era capaz de hacer cuando canalizaba su creatividad hacia lo directo y lo accesible. John Lennon llegó a decir que era “una de las mejores canciones del año”, y no estaba equivocado.

La segunda cara se abre con la instrumental "Daybreaker", tema que por entonces tocaban siempre en vivo: “Daybreaker” ofrece un instrumental vibrante que es puro ADN de ELO: chelos frenéticos, violines veloces y teclados espaciales. “Ma-Ma-Ma Belle”, con su riff de guitarra pesado (y la colaboración no acreditada de Marc Bolan de T. Rex en las guitarras), demuestra que Lynne también sabía ser duro cuando quería. El disco continúa con “Dreaming of 4000”, un tema extraño y atmosférico que parece una odisea en miniatura, y concluye con “In the Hall of the Mountain King”, una adaptación juguetona y rockera de Grieg que condensa la visión de Lynne: llevar la música clásica a la era del rock sinfónico.

Lo que hace especial a On the Third Day es que, escuchado hoy, suena a un grupo que se atrevía a buscar su voz sin preocuparse demasiado por las modas. En 1973, el rock progresivo estaba en pleno auge con Yes, Genesis o King Crimson empujando los límites. Lynne no quería ser “una banda más de prog”, sino crear algo distinto: canciones que pudieran emocionar como un aria, pero también hacerte mover los pies.

El disco, con sus irregularidades y momentos brillantes, es un puente entre el ELO más experimental de los inicios y la etapa dorada de éxitos mundiales que vendría a mediados de los 70. Se podría decir que aquí Jeff Lynne encontró la fórmula mágica, aunque todavía estaba ajustándola.

On the Third Day no es un álbum perfecto. Su producción, en ocasiones, suena algo cruda comparada con los trabajos posteriores; y no todos los temas alcanzan la misma intensidad. Pero esa es precisamente su belleza: es un disco con el nervio a flor de piel, con la sensación de que cada canción fue grabada con la urgencia de quien quiere demostrar que su visión es posible.

Mirando atrás, se puede decir que On the Third Day fue el momento en que la Electric Light Orchestra dejó de ser una promesa excéntrica para convertirse en una fuerza real en la música rock. Aquí Jeff Lynne pasó de aprendiz a arquitecto sonoro, construyendo el estilo que, con el tiempo, llevaría a la banda a llenar estadios y conquistar las listas.

On the Third Day es un álbum de transición, pero también un manifiesto artístico: demuestra que Jeff Lynne y la ELO no estaban aquí para ser una rareza pasajera, sino para inventar un nuevo lenguaje musical. Entre la melancolía de Bluebird Is Dead, la contundencia de Ma-Ma-Ma Belle y la grandeza popular de Showdown, late un disco que, aunque a veces desordenado, palpita con vida y emoción.

Es, en definitiva, la crónica de una banda encontrando su destino.

TEMAS:

1. Ocean Breakup / King of the Universe

Un arranque majestuoso. La introducción es casi cinematográfica: chelos tensos, un crescendo orquestal que parece abrir un telón cósmico. Luego entra Jeff Lynne con una voz distante, casi solemne, cantando sobre la grandeza y el misterio del universo.

Es aquí donde se empieza a notar la ambición: la canción no tiene la típica estructura de “estrofa-estribillo”, sino que fluye como una suite. Da la impresión de estar escuchando el inicio de una ópera rock cósmica.

2. Bluebird Is Dead

Un giro total: de lo cósmico a lo íntimo. Esta es una de las piezas más melancólicas de Lynne. El título evoca la muerte de un pájaro azul, metáfora de la pérdida y la fragilidad de la belleza.

El tema destaca por la combinación de guitarra acústica y arreglos de cuerda muy delicados, creando una atmósfera soñadora. Aquí ELO muestra su capacidad para emocionar sin necesidad de grandes fuegos artificiales.

3. Oh No Not Susan

Una pequeña joya escondida. Es un tema más personal y humano, con un aire confesional. Susan parece representar a alguien cercano, y Lynne canta con una mezcla de dulzura y resignación.

Musicalmente, las cuerdas se funden con teclados envolventes que refuerzan la sensación de nostalgia. Es un tema que podría haber pasado desapercibido, pero aporta un matiz íntimo y terrenal dentro del disco.

4. New World Rising / Ocean Breakup (Reprise)

La primera cara del vinilo culmina con este bloque enérgico y optimista. Aquí Lynne se desata con un estribillo pegadizo y coros vibrantes, mostrando la otra cara de la banda: la que sabe ser luminosa y grandilocuente.

El reprise de Ocean Breakup cierra el círculo y da cohesión al conjunto. La sensación es la de haber terminado un viaje con destino a un futuro prometedor.

5. Showdown

El momento estelar del disco. Publicado como single, fue la primera vez que ELO consiguió llamar realmente la atención a nivel internacional.

Es funky, con un groove contagioso, y tiene cuerdas que atacan como si fueran instrumentos de percusión. Lynne canta con garra, y todo el tema respira elegancia y fuerza.

John Lennon dijo de Showdown: “es como los viejos discos de la Motown, pero con electricidad”. Ese elogio ayudó a consolidar la reputación de Lynne como un compositor a tener en cuenta.

6. Daybreaker

Un instrumental que demuestra lo mucho que podía hacer ELO sin palabras. Aquí los chelos y violines no son un adorno, sino los protagonistas. La pieza se mueve entre lo clásico y lo rockero, con un ritmo trepidante que casi parece invitar a la danza.

Es un recordatorio de que la banda todavía jugaba con la idea original de “ser una orquesta eléctrica de rock”.

7. Ma-Ma-Ma Belle

El riff más potente del disco. Es hard rock en estado puro, con guitarras pesadas y un ritmo implacable. Jeff Lynne reclutó a Marc Bolan (líder de T. Rex) para tocar la guitarra en este tema, aunque no fue acreditado oficialmente. Ese toque glam-rock se nota en cada acorde.

Es la canción más cruda y visceral del álbum, y en directo funcionaba como un auténtico cañonazo.

8. Dreaming of 4000

Quizá el tema más enigmático del álbum. Tiene un aire hipnótico, con una base rítmica insistente y una atmósfera espacial. La letra es ambigua, casi surrealista, y parece hablar de viajes, números y visiones futuristas.

Es uno de esos cortes que dividen: para algunos es un experimento fallido, para otros una pieza clave en la faceta más psicodélica de ELO.

9. In the Hall of the Mountain King

El cierre es un guiño directo a la música clásica: la banda se atreve a versionar la famosa pieza de Edvard Grieg. Pero no lo hacen de manera solemne, sino con una actitud juguetona y rockera, como si dijeran: “sí, podemos tomar a los grandes y electrificarlos”.

Este tema resume la esencia del proyecto inicial de ELO: no era simplemente “meter cuerdas en el rock”, sino crear un diálogo real entre lo clásico y lo moderno.


Tema por tema, On the Third Day es una montaña rusa: hay momentos de introspección (Bluebird Is Dead), explosiones de energía (Showdown, Ma-Ma-Ma Belle), experimentación pura (Dreaming of 4000) y un guiño a la tradición (In the Hall of the Mountain King).

Es un álbum que todavía suena a búsqueda, pero que precisamente por eso resulta tan fascinante: se puede escuchar la ambición y el riesgo en cada nota.


Grabación de On the Third Day (1973)

Estudios y producción

El disco se grabó principalmente en De Lane Lea Studios de Londres, entre mayo y septiembre de 1973. Estos estudios eran muy usados en la época por bandas como Queen, Deep Purple y Jethro Tull. Jeff Lynne ya estaba obsesionado con el control sonoro y, aunque todavía no tenía la tecnología refinada de los álbumes posteriores, aquí comenzó a moldear el “sonido ELO”.

La producción corrió íntegramente a cargo de Lynne, lo que marcó un punto de no retorno: a partir de aquí, él sería el líder absoluto, productor y arquitecto de cada disco. La orquesta eléctrica ya no era tanto un “colectivo” sino el vehículo de sus ideas.

Instrumentación y arreglos

El grupo en esta época tenía todavía tres chelistas y un violinista fijo, algo que lo diferenciaba de cualquier otra banda rock.

Lynne insistía en que los arreglos de cuerdas no fuesen simples acompañamientos, sino motores rítmicos y melódicos. Esto se escucha claramente en Showdown y Daybreaker, donde los chelos marcan un groove casi percusivo.

La guitarra eléctrica de Lynne empezó a ganar más peso que en los discos anteriores, y en Ma-Ma-Ma Belle se nota claramente la influencia del glam gracias a la colaboración de Marc Bolan (T. Rex), que grabó riffs con él en el estudio.

Anécdotas de grabación

“Showdown” se grabó algo después que el resto del álbum, casi como un añadido. Su sonido más pulido y directo contrasta con la crudeza de otros cortes, y fue incluido en algunas ediciones del disco para darle mayor tirón comercial.

En el Reino Unido, la canción no entró en la primera edición del LP, pero sí en la versión estadounidense, lo que generó cierta confusión entre los fans de ambos lados del Atlántico.

El cover de “In the Hall of the Mountain King” nació como una especie de divertimento en el estudio: Lynne y los músicos empezaron a tocar la pieza de Grieg en plan broma, y acabó grabándose como cierre oficial del disco.

Lynne estaba obsesionado con probar cómo podía fusionar pasajes clásicos con riffs de guitarra pesados, y por eso el álbum tiene tanto de suite progresiva como de rock duro.

El sonido final

La mezcla de On the Third Day es más áspera y directa que la de discos posteriores como Eldorado (1974). No hay tanta capa de arreglos sinfónicos, y se nota que todavía dependían mucho del “empuje en vivo” de las cuerdas grabadas directamente, sin grandes retoques.

Esto le da al disco un carácter algo crudo, pero también una energía auténtica, como si la banda estuviera tocando en la misma sala que el oyente.


La formación durante la grabación

Jeff Lynne – voz, guitarras, teclados, productor

Bev Bevan – batería, percusión

Richard Tandy – teclados, sintetizadores, bajo en algunos pasajes

Mike de Albuquerque – bajo, voces

Mik Kaminski – violín

Mike Edwards, Wilf Gibson y Colin Walker – chelos

Invitado especial: Marc Bolan (guitarra en “Ma-Ma-Ma Belle”)

Wilf Gibson fue el violinista original de la Electric Light Orchestra en los primeros años. Participó en los dos primeros discos (The Electric Light Orchestra y ELO 2) y en las primeras sesiones de On the Third Day.

A mediados de 1973, Gibson deja la banda y es reemplazado por Mik Kaminski, que se convirtió después en el violinista más icónico y duradero de la historia de ELO.

Resultado en el disco:

En On the Third Day aparecen ambos violinistas dependiendo del tema.

Algunas partes iniciales fueron grabadas con Wilf Gibson.

Mik Kaminski llegó cuando las sesiones ya estaban avanzadas y grabó en otras piezas, aportando su estilo más enérgico y reconocible.

De hecho, esta es una de las razones por las que el disco tiene un sonido un tanto irregular en la sección de cuerdas, porque se mezclaban distintos enfoques interpretativos y diferentes músicos en las sesiones.


Resumen de los créditos de cuerda

Violinistas: Wilf Gibson (primeras sesiones), Mik Kaminski (tras su incorporación).

Chelistas: Mike Edwards, Hugh McDowell y Colin Walker (aunque este último dejó la banda poco después).

Así que se puede decir que On the Third Day es un álbum bisagra no solo en lo musical, sino también en lo humano, porque fue el último con algunos de los primeros miembros y el primero en contar con Kaminski, que se volvió esencial en el sonido clásico de la ELO.

En resumen: la grabación de On the Third Day fue un laboratorio donde Lynne consolidó la idea de que ELO debía ser una banda rock con orquesta integrada, no simplemente un grupo de rock con cuerdas decorativas. Fue el último álbum donde esa visión estaba “en bruto”, antes de que con Eldorado se metiera en estudios más sofisticados y empezara a construir paisajes sonoros mucho más pulidos.

El cambio de portada de On the Third Day

La portada de On the Third Day tiene también su historia curiosa, porque no fue la misma en todas las ediciones, y refleja bien la etapa de transición en que estaba ELO.

Edición original (Reino Unido y parte de Europa, 1973)

La portada original muestra una fotografía una imagen espacial: un planeta y una especie de eclipse o alineación cósmica, con tonos oscuros y metálicos.



Edición estadounidense (United Artists, 1973)

La discográfica en EE. UU. decidió cambiar la portada por completo.

En el centro, Jeff Lynne aparece con el pecho al descubierto, con un collar y el pelo largo y rizado, lo que le da un aire casi mesiánico.

La idea era transmitir que este era un “renacimiento” de la banda (el título On the Third Day se asocia también con la resurrección bíblica, y Lynne en la foto parece casi un gurú).

Muchos fans recuerdan esa portada como extraña, incluso un poco incómoda, porque los músicos aparecen con miradas intensas y un aire casi religioso, muy distinto al tono más divertido y colorido que tendría la banda después.


Con los años, muchos fans y coleccionistas ven la portada con la foto de la banda como un objeto de culto raro, porque mostraba a ELO en un momento casi “serio” y progresivo.

La portada estadounidense, en cambio, encajaba más con la imagen futurista que Lynne quería proyectar, y marcó el camino de los diseños más abstractos y espaciales que vendrían en discos como Eldorado o Out of the Blue.

La gira de On the Third Day: un grupo en busca de su sitio

En noviembre de 1973, cuando se publicó On the Third Day, la Electric Light Orchestra todavía era vista como una rareza. Una banda de rock con violines y chelos no era precisamente lo que llenaba estadios. Pero Jeff Lynne tenía claro que el escenario era el lugar donde ELO debía demostrar que no era un simple capricho progresivo, sino una idea con futuro.

La gira de este disco fue, más que un triunfo inmediato, un acto de fe. Las salas no siempre estaban llenas, los críticos a menudo no sabían muy bien cómo clasificar lo que escuchaban, y técnicamente era un quebradero de cabeza amplificar cuerdas en medio de un muro de guitarras y baterías. Pero había algo que jugaba a favor de ELO: la energía cruda y apasionada que desprendían sus conciertos.


Entre pubs y teatros

En Reino Unido y Europa, a finales de 1973, tocaron en salas medianas, universidades y festivales menores. El ambiente era más cercano, más de club de rock que de “orquesta sinfónica”. Pero eso hacía que la banda sonara con nervio: los chelos rugían, el violín cortaba como una navaja y Jeff Lynne empezaba a desplegar esa presencia algo tímida pero magnética que le caracterizó siempre.

En Estados Unidos, en 1974, la cosa fue diferente. Allí el single Showdown había calado fuerte gracias al comentario de John Lennon, y ELO se ganó un hueco como teloneros de bandas más grandes. A veces tocaban en teatros, otras en clubs donde el público se quedaba entre fascinado y desconcertado: no habían visto nada igual.

Incluso llegaron a Japón en 1974, donde los recibieron con entusiasmo. Los japoneses entendieron muy pronto esa mezcla de disciplina clásica y rebeldía rockera que proponía ELO.


La formación en esta gira era ya casi la “clásica”:

Jeff Lynne al frente, cada vez más confiado con la guitarra y la voz.

Bev Bevan con su batería potente, que daba solidez a todo el invento.

Richard Tandy en los teclados, siempre discreto pero imprescindible.

Mike de Albuquerque en el bajo (que se iría poco después).

¿Por qué se marchó Mike de Albuquerque?

Oficialmente, su salida se debió a motivos familiares: quería pasar más tiempo en casa y no seguir el ritmo de giras y ensayos constantes.

También se dice que no estaba del todo cómodo con el rumbo cada vez más controlado por Jeff Lynne, que ya era el líder absoluto del proyecto.

Su marcha fue amistosa; nunca hubo conflictos públicos.

¿Quién lo sustituyó?

El nuevo bajista fue Kelly Groucutt, que entró en febrero de 1975, justo antes de la gira de Face the Music.

Groucutt no solo tocaba el bajo con un estilo más melódico y contundente, sino que además aportó coros brillantes y voces secundarias que enriquecieron enormemente el sonido de ELO en directo y en estudio.

Su debut oficial en disco fue en Face the Music (1975), aunque ya estaba presente en los ensayos finales de la gira Eldorado.

Mike de Albuquerque → bajista de ELO entre 1972 y noviembre de 1974.

Kelly Groucutt → lo reemplazó en 1975, convirtiéndose en una pieza clave durante la era dorada de la banda (hasta 1983).

Mik Kaminski, recién llegado, con su violín azul eléctrico y un estilo frenético que se volvería marca de la casa.

Mike Edwards y Hugh McDowell en los chelos, aportando tanto energía como teatralidad (McDowell era famoso por tocar tirándose al suelo en pleno concierto).

Era un grupo aún algo inestable, pero ya se notaba la química que Lynne necesitaba para dar el siguiente paso.


El repertorio: crudeza y riesgo

El setlist de la gira mezclaba lo nuevo con lo viejo, y tenía mucho de “puesta a prueba”.

De On the Third Day destacaban:

Showdown, que funcionaba como el gran hit de la noche, con un groove irresistible.

Daybreaker, instrumental donde las cuerdas tenían su momento de lucirse.

Ma-Ma-Ma Belle, el cañonazo rockero con el que encendían al público.

Extractos de la suite inicial (Ocean Breakup / King of the Universe), que aportaban dramatismo y ambición.


De los discos anteriores recuperaban:

10538 Overture, su primer single, que abría muchos conciertos como declaración de intenciones.

Kuiama, la extensa y oscura balada antibélica del segundo disco, que mostraba su lado más progresivo.

Y como final apoteósico, Roll Over Beethoven, su mezcla explosiva de Chuck Berry y Beethoven, que se había convertido en un clásico de sus directos.


No todo era perfecto: a veces el sonido se embarraba, los chelos quedaban sepultados por la batería o los violines chirriaban en la mezcla. Pero eso formaba parte del encanto: era una banda en bruto, luchando por llevar una idea imposible a los escenarios.

Los que vieron aquellos conciertos recuerdan esa mezcla de caos y genialidad. No era todavía la ELO de los shows espectaculares con naves espaciales y luces de láser, pero sí la banda que estaba a punto de despegar.


Setlist aproximado de la gira On the Third Day (1973–74)

10538 Overture

Ocean Breakup / King of the Universe

Bluebird Is Dead (en algunos shows)

Showdown

Daybreaker

Kuiama

Ma-Ma-Ma Belle

Roll Over Beethoven (cierre habitual)

Esta gira fue la prueba de fuego: no siempre fácil, a veces caótica, pero absolutamente necesaria. Fue aquí donde ELO dejó de ser un experimento para empezar a convertirse en la gran banda que conquistaría el mundo a mediados de los 70.

BOOTLEGS

A continuación detallo los principales bootlegs conocidos y su contexto:

1. ELO - Unapproved Recording 1973





Es una de las grabaciones piratas más antiguas conocidas de la ELO, y suele circular entre coleccionistas bajo varios títulos parecidos (como “Unapproved Recordings”, “Live 1973” o “BBC Sessions 1973”). Su contenido varía ligeramente según la edición, pero en general recoge actuaciones en vivo y sesiones de radio del año 1973, coincidiendo con la promoción del álbum ELO 2 y el inicio de la era On the Third Day.
Estas piezas proceden en su mayoría de grabaciones en directo para la BBC, probablemente del Paris Theatre de Londres (1973), donde la banda grabó varias sesiones con Jeff Lynne al frente, ya sin Roy Wood.

1 Roll Over Beethoven 4:48
2 King Of The Universe 4:51
3 Bluebird Is Dead 3:54
4 In The Hall Of The Mountain King 3:27
5 Great Balls Of Fire 1:15
6 From The Sun To The World 11:18
7 Ma Ma Belle 4:52
8 Kulama 11:26
9 Oh No Not Susan 2:48
10 New World Rising 5:20

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Electric Light Orchestra - Hamburg, Germany, Oct '74




Electric Light Orchestra en Hamburgo (Alemania), octubre de 1974, es uno de los documentos más interesantes (aunque algo oscuros) de la etapa de transición entre los álbumes On the Third Day (1973) y Eldorado (1974). Te cuento en detalle lo que se sabe de esta actuación y su contexto histórico:

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA – Hamburg, Germany, October 1974

Lugar y fecha

Ciudad: Hamburgo, Alemania

Fecha: octubre de 1974 (sin día exacto confirmado, aunque algunos coleccionistas citan el 4 o 5 de octubre)

Lugar posible: Musikhalle Hamburg (ahora Laeiszhalle), recinto habitual para conciertos de rock en esa época.

La fuente principal proviene de grabaciones de público (audience tapes) que circularon en los 80 y 90 bajo títulos como

“ELO – Live in Hamburg 1974”,

“Showdown in Hamburg”

o simplemente “Hamburg ’74”.

Setlist:

El repertorio típico de la gira europea del otoño de 1974 —y el que probablemente se interpretó en Hamburgo— incluía temas de los tres primeros discos y algunos adelantos de Eldorado:

Daybreaker

Showdown

Day Tripper

Violin Solo  Orange Blossom Special

Ma-Ma-Ma Belle

In the Hall of the Mountain King (Grieg, versión rock instrumental)

Roll Over Beethoven (Chuck Berry, cierre habitual)

El orden puede variar según el bootleg, ya que muchas cintas no están completas.

En este bootleg no hay temas de Eldorado, pero por el contrario es una toma restaurada de FM, con un sonido mas que bueno.

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ELO 1973 Live in Europe (Rockaria Overture)




Como sucede con muchos bootlegs, la calidad del sonido puede variar y puede tener añadidos dudosos, como aplausos entre canciones que no correspondían originalmente. En el caso de otro bootleg similar “Rockaria Ouverture”, se menciona que “parece que se añadieron aplausos falsos entre pistas”. 
También en las discusiones sobre los bootlegs de la gira On The Third Day se señala que ese bootleg (o similares) no ha tenido lanzamiento oficial y contiene mezclas de grabaciones de diferentes fechas/tours. 
Además, dado que no es oficial, no hay documentación confiable que confirme que todo lo que aparece en ese título se corresponda realmente con ELO en vivo de 1973. Puede haber falsificaciones o grabaciones de aficionados mezcladas.

Tracks 1-2: Paris Cinema, Lower Regent Street, London, April 19, 1973
Track 3: St Sodium Glutamate Aquarium, 1974
Tracks 4-10: The Hippodrome, Golders Green, London, January 25, 1974


1 From The Sun To The World 11:57
2 Kuiama 11:53
3 Roll Over Beethoven 5:15
4 Ma Ma Ma Belle 5:03
5 King Of The Universe 4:58
6 Bluebird Is Dead 4:13
7 Oh No, Not Susan 4:13
8 New World Rising 6:56
9 In The Hall Of The Mountain King 2:58
10 Great Balls Of Fire 1:56


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Culminamos con un Bootleg del Sr.X

ELO – On the Third Day: The Reconstruction (Bootleg del Señor X)

En el mundo de los coleccionistas, hay grabaciones que no solo documentan una época, sino que la reinventan. On the Third Day: The Reconstruction, el proyecto no oficial ideado por el Señor X, pertenece a esa rara estirpe de bootlegs que trascienden la simple recopilación de tomas raras. Es una obra de amor y arqueología musical, dedicada a uno de los discos más infravalorados de Electric Light Orchestra.

Electric Light Orchestra  - "On the Third Day Bonus and Live






BONUS:


(Long Beach Live 1974)
01. Showdown
02. Daytripper

(St Sodium Glutamate Aquarium - 1974) 
03. Ma Ma Ma Belle

(Recorded, 22 - 06 - 76 at The Guildhall, Portsmouth)
04. Medley - On The Third Day

(The Hippodrome - Golders Green - London - 25-01-74)
05. King Of The Universe
06. Bluebird Is Dead 
07. Oh No Not Susan 
08. New World Rising 
09. In The Hall Of The Mountain King 
10. Great Balls Of Fire

(Bonus Tracks - On The Third Day)
11. Auntie (Ma-Ma-Ma Belle Take 1)
12. Auntie (Ma-Ma-Ma Belle Take 2)
13. Mambo (Dreaming of 4000 Take 1)
14. Everyone's Born to Die
15. Interludes


LIVE:

01. Ocean Breakup / King Of The Universe
02. Bluebird Is Dead
03. Oh No Not Susan
04. New World Rising / Ocean Breakup Reprise
05. Showdown
06. Daybreaker
07. Ma-Ma-Ma Belle
08. Dreaming Of 4000
09. Band
10. Violin Solo / Orange Blossom Special
11. In The Hall Of The Mountain King

Más que un simple bootleg, On the Third Day: The Reconstruction funciona como una cápsula del tiempo, un tributo artesanal a una etapa decisiva de Electric Light Orchestra.
Escucharlo es revivir el momento en que la visión de Jeff Lynne empezaba a tomar forma definitiva: la fusión entre el rock, las cuerdas y la ambición melódica.

El Señor X, con sensibilidad de restaurador y pasión de fan, consigue que este álbum vuelva a brillar con la luz que siempre mereció.
Un trabajo para escuchar con auriculares y alma abierta: una resurrección sonora en tres actos.

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Contexto general de la gira


La gira 1973–1974 fue crucial:

Fue la primera en la que Jeff Lynne tomó el control total creativo, tras la marcha de Roy Wood.

Mike de Albuquerque dejó la banda al poco tiempo, siendo reemplazado por Kelly Groucutt más adelante.

El grupo viajaba con una instrumentación compleja (violines, chelos, sintetizadores), pero aún sin los grandes montajes escénicos de años posteriores.

La banda estaba consolidando su reputación como acto de directo más que de estudio.

domingo, 14 de septiembre de 2025

ESPECIAL SEPTIEMBRE 2025 “Exposed” – Mike Oldfield (1979)

“Exposed” – Mike Oldfield (1979)

"Paisajes Sonoros al Desnudo”

En 1979, Mike Oldfield era ya un músico consagrado gracias al éxito de Tubular Bells, Hergest Ridge y Ommadawn. Sin embargo, la presión de la fama y la timidez que siempre le acompañó lo mantenían alejado de los escenarios. Su mundo estaba en el estudio, entre cintas y múltiples instrumentos que solo él sabía coordinar como piezas de un puzle cósmico. Pero Virgin Records, su discográfica, quería verle salir a la carretera y demostrar en directo aquella magia de laboratorio. Y de ese pulso nació “Exposed”, un álbum en vivo que no fue simplemente un concierto: fue una especie de catarsis personal y artística.

El reto era enorme: trasladar al escenario la complejidad orquestal de sus discos, plagados de capas de guitarras, teclados, percusiones y voces. Oldfield reunió para la ocasión una formación impresionante con músicos de primera línea, como los percusionistas Morris Pert y Pierre Moerlen, el guitarrista Phil Beer, el teclista Peter Lemer y las cantantes Maddy Prior (de Steeleye Span) y Sally Oldfield, entre muchos otros. Era casi una pequeña orquesta de rock progresivo contemporáneo, con la que Mike podía dar vida a sus monumentales obras.

El álbum recoge grabaciones de esa gira europea de 1979. El título, Exposed, no fue casual: Oldfield se sentía desnudo, expuesto, obligado a salir de su refugio y mostrar su música sin la protección del estudio. Ese matiz emocional atraviesa todo el disco.

La primera parte se centra en “Incantations”, su obra más reciente entonces, dividida en movimientos hipnóticos donde las voces etéreas y los patrones de percusión se despliegan con una intensidad casi ritual. En directo, la pieza gana fuerza, con un dramatismo que en el álbum de estudio quedaba más difuminado. El público, expectante, se sumerge en un viaje sonoro entre lo místico y lo tribal.

La segunda mitad es puro Oldfield clásico: “Tubular Bells”. La suite que lo lanzó a la fama se presenta con toda la pompa posible, y el clímax con la introducción de los instrumentos —esa narración casi litúrgica de cada sonido— cobra en vivo una energía electrizante. Mike alterna guitarras con delicadeza y luego con furia, mostrando esa dualidad entre artesano minucioso y genio desatado. El disco se cierra con un bis vibrante, a menudo “Guilty”, que añade un aire más ligero y bailable, casi un guiño juguetón después de tanta solemnidad.

A nivel humano, Exposed es más que un documento en directo: es la radiografía de un músico en lucha consigo mismo. Mike, el joven tímido de Reading, que prefería esconderse en el campo con sus instrumentos, se ve obligado a mostrarse ante miles de personas. Y aunque la gira le resultó agotadora y no quiso repetir la experiencia durante muchos años, dejó un testimonio irrepetible de lo que significaba trasladar su universo sonoro a la vida real.

Hoy, escuchar Exposed es escuchar a un Oldfield en carne viva, rodeado de un ejército de músicos que lo arropan mientras él se atreve a salir de su guarida. Un documento poderoso, lleno de épica y fragilidad, que nos recuerda que detrás del genio había un hombre que, literalmente, se sentía expuesto.

TEMAS:

1-1 Incantations (Parts 1 & 2)

Written-By – Mike Oldfield

26:31

1-2 Incantations (Parts 3 & 4)

Written-By – Mike Oldfield

20:50

2-1 Tubular Bells (Part 1)

Written-By – Mike Oldfield

28:36

2-2 Tubular Bells (Part 2)

Arranged By [The Sailor's Hornpipe: Arrangement] – Mike Oldfield

Written-By [Except The Sailor's Hornpipe] – Mike Oldfield

Written-By [The Sailor's Hornpipe] – Traditional

11:09

2-3 Guilty

Written-By – Mike Oldfield

6:22

REEDICIONES:

Exposed ha tenido varias reediciones a lo largo de los años, y cada una ha ido mostrando un poco más de esa gira tan especial de 1979. Te hago un repaso claro y cronológico:


📀 Reediciones de Exposed

🔹 1979 – Edición original

Formato: doble LP, casete y también en vídeo (VHS y Betamax, aunque muy limitado).

Contenido: las versiones en directo de Incantations y Tubular Bells, más el bis con Guilty.

Curiosidad: fue concebido inicialmente como triple álbum, pero Virgin lo redujo a doble por cuestiones de coste y mercado.


🔹 1985 – Primera edición en CD

Virgin lanzó una edición temprana en CD, pero recortada: para que cupiera en un solo disco se eliminaron fragmentos, sobre todo de Incantations.

Resultado: un Exposed “capado”, que muchos fans consideran la peor versión.


🔹 2005 – Reedición en DVD (Virgin/EMI)

Se recuperó el concierto filmado en Wembley (22 de abril de 1979), con imagen y sonido remasterizados.

Incluye la filmación íntegra de Incantations, Tubular Bells y Guilty.

Para muchos, es la primera vez que se podía “ver” con calidad la magnitud del proyecto en directo.


🔹 2010 – Reedición remasterizada (Mercury/Universal)

Dentro de la campaña de reediciones de Mike Oldfield.

Formato: doble CD en digipack.

Se restauró el contenido completo del doble vinilo original (nada de recortes).

Sonido remasterizado por los ingenieros de Mercury, con bastante mejor definición.

Edición “Deluxe” en caja: incluía el DVD con el concierto en vídeo.


🔹 Vinilo 180g (reediciones varias, 2012 en adelante)

Reediciones en vinilo pesado, buscando la fidelidad analógica original.

Muy valoradas por coleccionistas que prefieren la experiencia sonora del directo en LP.


🎶 En resumen

Si quieres la experiencia más pura en audio, la edición de 2010 (Mercury, 2CD remaster) es la mejor opción.

Si prefieres la experiencia audiovisual, el DVD de 2005 o el incluido en el Deluxe de 2010 es imprescindible.

Las ediciones antiguas en CD (años 80/90) son más piezas de coleccionista, pero no recomendables para escuchar, ya que mutilan Incantations.


La idea de grabar los conciertos

Mike Oldfield no era un artista de directo en 1979. La presión de Virgin Records y de su entorno le empujó a salir de gira para demostrar que su música “de laboratorio” podía funcionar en un escenario real. Pero Oldfield, inseguro y perfeccionista, solo aceptó con una condición: que todo quedara documentado.

Por eso, casi desde el primer día se decidió grabar profesionalmente varios conciertos de la gira europea, tanto en audio como en vídeo. El objetivo era doble:

Dejar constancia artística, como si fuera una prueba de que se podía llevar a escena obras monumentales como Incantations y Tubular Bells.

Recuperar inversión, ya que la logística de la gira era costosísima (una troupe de más de 50 músicos y técnicos viajando por toda Europa). La idea era que un doble álbum en directo ayudara a equilibrar las cuentas.

El resultado fue Exposed (1979), publicado como doble LP y, en menor medida, en vídeo. Oldfield, tímido y con miedo al contacto con el público, tituló el álbum de esa manera porque se sentía “al desnudo”, expuesto.



Una gira deficitária

Artísticamente fue un logro, pero económicamente, un desastre. Varias razones explican ese déficit:

La enorme banda: percusionistas, guitarristas, teclistas, sección coral, cantantes invitados… casi una orquesta rock ambulante. Los salarios, dietas y transportes disparaban el presupuesto.

Producción desmesurada: luces, equipo de sonido y logística a gran escala, algo más propio de Pink Floyd o Genesis, pero sin el mismo respaldo financiero.

Mike no era un “hombre de gira”: no tenía merchandising potente, ni singles comerciales de gran tirón en ese momento. El público acudía, pero no en la cantidad masiva que se necesitaba para cubrir los costes.

Virgin esperaba más: la discográfica presionó para hacer algo espectacular, pero luego no invirtió lo suficiente en promoción internacional.

El propio Oldfield reconocería después que la gira lo dejó agotado y endeudado, y que fue una de las razones por las que no volvió a hacer algo semejante durante años. De hecho, tras 1979, no emprendió una gira extensa hasta finales de los 80 (Islands Tour), y en formatos mucho más reducidos.

BOOTLEGS:

Mike Oldfield - TB Part 1 & 2 live in Madrid 1979 & TB (Part 1) live in Birmingham 1979.

Mike Oldfield - TB Part 1 & 2 live in Madrid 1979


La gira de 1979 llevaba apenas unas fechas cuando Mike Oldfield aterrizó en Madrid. Era domingo 25 de marzo y el Palacio de los Deportes estaba lleno hasta arriba: miles de personas con la expectación de ver, por primera vez, al genio de Tubular Bells en directo. No era un concierto cualquiera: Oldfield era ya un mito, pero casi un desconocido sobre el escenario.

El concierto siguió la estructura de toda la gira:

Incantations (Partes 1–4)

Una obra monumental y ritual, con percusiones hipnóticas y las voces mágicas de Maddy Prior y Sally Oldfield. En Madrid sonó con más intensidad que en otras ciudades: hay crónicas que destacan que Mike se mostró especialmente inspirado en los solos de guitarra.

Tubular Bells (Partes 1–2)

El momento más esperado. La suite que lo había hecho mundialmente famoso cobró vida con una fuerza casi rockera. El momento de la presentación de los instrumentos fue apoteósico, con el público madrileño vitoreando cada entrada.

Bis: “Guilty”

Para cerrar, Mike se permitió un respiro más ligero con su tema más bailable, acompañado de un despliegue instrumental lleno de energía. 

Existe un bootleg de este concierto (grabado desde el público), que aunque algo irregular en calidad, aquí os dejamos 30 minutos de excelente calidad con extractos del Tubular I yII.

Mike Oldfield - TB Part 1 live in Birmingham 1979


El 6 de mayo de 1979, Mike Oldfield ofreció un concierto en el Birmingham International Arena (National Exhibition Centre) dentro de su gira Exposed, con la que presentó al público una experiencia sin precedentes: llevar al directo obras monumentales como Tubular Bells, Incantations y Guilty con una orquesta de músicos, coro y un montaje audiovisual muy ambicioso.

De esa actuación en Birmingham se conserva un momento histórico: la interpretación de “Tubular Bells”, que más tarde se incluyó en el recopilatorio norteamericano Airborn (1980). Esta grabación es especial por dos motivos:

Es un directo oficial dentro de una gira que, pese a estar íntegramente grabada, apenas tuvo publicaciones oficiales hasta mucho después.

Incluye al “maestro de ceremonias” en la parte final de la obra, que anuncia los instrumentos a medida que se van incorporando. En este concierto, la voz que ejerce ese papel es la del actor y locutor Vivian Stanshall (al igual que en el disco original de 1973, aunque en gira normalmente se suplía por otros colaboradores). Ese detalle dota a la versión de Birmingham de un sabor muy especial, porque conecta con el espíritu del álbum original.

La versión recogida en Airborn muestra a un Oldfield mucho más eléctrico y vigoroso que en estudio: las guitarras suenan más potentes, los coros aportan dramatismo y la orquesta añade una dimensión épica. El público británico, además, estaba viviendo uno de los momentos más esperados, ya que el propio Oldfield no solía prodigarse en directo, y menos con una producción de ese calibre.

En suma, “Tubular Bells – Live in Birmingham, 6 de mayo de 1979” es un documento sonoro fundamental porque:

Rescata un instante brillante de la gira Exposed.

Se editó oficialmente en Airborn, algo excepcional entre tantas grabaciones inéditas de esa época.

Y sobre todo, devuelve al oyente la magia del “maestro de ceremonias”, cerrando el círculo con la obra original.

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Aporto lo que seria para mi la trilogia Exposed, consta de tres conciertos en Londres con sonido Broadcast y de mesa, son los Exposed "ROJO" "VERDE" y "AZUL".

Mike Oldfield - Wembley Conference Centre 26th April 1979




Mike Oldfield - Wembley Conference Centre 26th April 1979

Grabación de alta calidad Mike Oldfield de su segundo concierto en el Centro de Conferencias de Wembley, el 26 de abril de 1979.
Existen varios bootlegs que circulan bajo distintos nombres y calidades, todos ellos capturados de grabaciones de audiencia (y en algún caso de mesa de mezclas). El del 26 de abril de 1979 en Wembley suele ser valorado porque ofrece un sonido bastante decente para la época y refleja la atmósfera casi orquestal del espectáculo.
Aunque la calidad no alcanza a la grabación oficial Exposed, este pirata tiene un valor documental muy grande, permite escuchar cómo sonaba realmente el concierto desde la sala, con la reverberación del recinto, los aplausos y la energía colectiva. Los fans suelen destacar que, pese a los defectos de sonido, transmite una cercanía que el álbum oficial más pulido no tiene.


Live Wembley Conference Centre 26th April 1979

Set list:

INCANTATIONS (PARTS 1 - 4) 

TUBULAR BELLS (PART 1) 

GUILTY 

TUBULAR BELLS (PART 2) 

SAILOR'S HORNPIPE

Encore:

GUILTY 

Mike Oldfield-guitars, producer
Nico Ramsden-guitars
Phil Beer - guitar, vocals
Pekka Pohjola-bass guitar
Pierre Moerien - drums, percussion
Mike Frye - percussion
Benoit Moerlen-percussion
David Bedford-percussion, string arrangements
Ringa McDonough- bachrán
Pete Lemer-keyboards
Tim Cross-keyboards
Maddy Prior vocals
Ray Gay-trumpets
Ralph Izen-trumpets
Sima Salminen- trumpets
Colin Moare-trumpets
Sebastian Bell-flutes
Chris Nicholls-flutes
Benedict Cruft-violin
Elizabeth Edwards- violin Orchestral Leader - Richard Studt - violin
Jane Price - violin
Nichola Hurton violin
Jonathan Kahan - violin
Donald McVay viala
Pauline Mack-viola
Danny Daggers-viola
Melinda Daggers - viola
Liz Butler - viola
Ross Cohen-violins
Nigel Warren-Green - [[Cello]
Vanessa Park-cello
David Bucknall-cello
Jessice Fard-cella
Nick Warters-bass
Jae Kirby-hass
Debra Branstein-chair
Marigo Acheson-choir
Emma Fraud-choir

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Mike Oldfield - Wembley Conference Centre 25th April 1979



Este bootleg es importante porque documenta los primeros días de la gira Exposed, cuando todo era aún fresco, los músicos estaban llenos de energía y Londres recibía por fin el proyecto más ambicioso de Oldfield hasta entonces. Aunque no tiene la pulcritud de Exposed (el álbum oficial en directo grabado en esa misma gira), sí tiene un aire más crudo y real, con la magia de lo imprevisible.
Este concierto del 25 de abril en Wembley, junto con los de finales de abril y principios de mayo, son considerados joyas de coleccionista porque muestran a Oldfield en un momento de transición: todavía muy joven, pero ya dominando un espectáculo gigantesco.

Set list:

INCANTATIONS (PARTS 1 - 4) 

TUBULAR BELLS (PART 1) 

GUILTY 

TUBULAR BELLS (PART 2) 

SAILOR'S HORNPIPE

Encore:

GUILTY 

Mike Oldfield-guitars, producer
Nico Ramsden-guitars
Phil Beer - guitar, vocals
Pekka Pohjola-bass guitar
Pierre Moerien - drums, percussion
Mike Frye - percussion
Benoit Moerlen-percussion
David Bedford-percussion, string arrangements
Ringa McDonough- bachrán
Pete Lemer-keyboards
Tim Cross-keyboards
Maddy Prior vocals
Ray Gay-trumpets
Ralph Izen-trumpets
Sima Salminen- trumpets
Colin Moare-trumpets
Sebastian Bell-flutes
Chris Nicholls-flutes
Benedict Cruft-violin
Elizabeth Edwards- violin Orchestral Leader - Richard Studt - violin
Jane Price - violin
Nichola Hurton violin
Jonathan Kahan - violin
Donald McVay viala
Pauline Mack-viola
Danny Daggers-viola
Melinda Daggers - viola
Liz Butler - viola
Ross Cohen-violins
Nigel Warren-Green - [[Cello]
Vanessa Park-cello
David Bucknall-cello
Jessice Fard-cella
Nick Warters-bass
Jae Kirby-hass
Debra Branstein-chair
Marigo Acheson-choir
Emma Fraud-choir


Mike Oldfield Live at Wembley Arena, London 02/05/1979



El Wembley Arena 02/05/1979 fue un concierto colosal, dentro de una gira que hoy es de culto. Quedó como testimonio del Oldfield más ambicioso, arriesgado y perfeccionista, capaz de convertir su música en un auténtico espectáculo sinfónico-rock.

CD1

Opening Speech
Incantations - Part I
Incantations - Part II
Incantations - Part III
Incantations - Part IV
Closing Speech

CD2

Opening Speech
Tubular Bells - Part I
Guilty
Tubular Bells - Part II
Guilty (encore)

Mike Oldfield-guitars, producer
Nico Ramsden-guitars
Phil Beer - guitar, vocals
Pekka Pohjola-bass guitar
Pierre Moerien - drums, percussion
Mike Frye - percussion
Benoit Moerlen-percussion
David Bedford-percussion, string arrangements
Ringa McDonough- bachrán
Pete Lemer-keyboards
Tim Cross-keyboards
Maddy Prior vocals
Ray Gay-trumpets
Ralph Izen-trumpets
Sima Salminen- trumpets
Colin Moare-trumpets
Sebastian Bell-flutes
Chris Nicholls-flutes
Benedict Cruft-violin
Elizabeth Edwards- violin Orchestral Leader - Richard Studt - violin
Jane Price - violin
Nichola Hurton violin
Jonathan Kahan - violin
Donald McVay viala
Pauline Mack-viola
Danny Daggers-viola
Melinda Daggers - viola
Liz Butler - viola
Ross Cohen-violins
Nigel Warren-Green - [[Cello]
Vanessa Park-cello
David Bucknall-cello
Jessice Fard-cella
Nick Warters-bass
Jae Kirby-hass
Debra Branstein-chair
Marigo Acheson-choir
Emma Fraud-choir

Mike Oldfield   Exposed   Quadraphonic




Exposed fue grabado durante la gira europea de primavera de 1979, principalmente en los conciertos de Barcelona (Palau d’Esports, 31 de marzo) y en otras fechas de abril–mayo.

En esa época, Virgin estaba experimentando con el sonido cuadrafónico, ya que Oldfield ya había mostrado interés en el sonido envolvente con Tubular Bells y Hergest Ridge.

Sin embargo, el lanzamiento oficial de Exposed en 1979 fue en estéreo, tanto en vinilo como en cassette, porque el quadraphonic ya estaba en declive comercial.

2. ¿Existe versión cuadrafónica?

Exposed de Mike Oldfield fue lanzado oficialmente en formato cuadrafónico (SQ Quadraphonic) en 1979, como una edición limitada de vinilo.

3. Bootlegs y rarezas

Algunos coleccionistas mencionan cintas cuadrafónicas no oficiales circulando desde los 80, pero no hay confirmación de que provengan de master originales; suelen ser conversiones posteriores.

La reedición en box set deluxe de los discos de Virgin (2009–2013) no incluyó Exposed en 5.1, algo que los fans aún reclaman.

👉 En resumen: Exposed nunca salió oficialmente en quadraphonic en su época (excepto una edición limitada de vinilo), pero el material multipista existe y parte de él fue usado para la versión en DVD (sonido 5.1).

1 Incantations Parts One And Two
Written-By – Oldfield*
26:31
2 Incantations Parts Three And Four
Written-By – Oldfield*
20:50
3 Tubular Bells Part One
Written-By – Oldfield*
28:42
4 Tubular Bells Part Two
Arranged By ['Sailor's Honpipe'] – Oldfield*
Written-By – Oldfield*
Written-By ['Sailor's Honpipe'] – Trad*
12:00
5 Guilty
Written-By – Oldfield*
5:37