"Is There Anybody Out There?" no es solo otro blog de música; es una expedición arqueológica sonora que desentierra tesoros musicales sepultados por el tiempo y el olvido. Con la pasión de un detective y el corazón de un poeta, el señor X se sumerge en las profundidades de álbumes que, aunque fundamentales, han sido injustamente relegados a las sombras de la historia musical prometiendo sacudir el polvo de esos vinilos olvidados. Cada entrada es una odisea que nos lleva de vuelta al momento en que estos discos vieron la luz, desentrañando las circunstancias que los vieron nacer y el eco que dejaron en el mundo. El blog no se conforma con reseñas superficiales. Aquí, la música se disecciona con el cuidado de un cirujano y se analiza con la minuciosidad de un científico. Pero no te equivoques, no es un ejercicio frío y académico. El señor X inyecta en cada palabra la pasión de un fan y la narrativa cautivadora de un contador de historias. "Is There Anybody Out There?" es más que un nombre; es un grito de guerra, un llamado a todos los amantes de la música a unirse en esta cruzada por redescubrir las joyas perdidas del panorama musical. Es una invitación a abrir los oídos y la mente, a sumergirse en sonidos que quizás pasamos por alto la primera vez, pero que merecen una segunda, tercera y enésima escucha. En un mundo saturado de listas de reproducción algorítmicas y éxitos prefabricados, este blog se erige como un faro para aquellos que buscan algo más profundo, más auténtico. Es un recordatorio de que detrás de cada disco hay una historia esperando ser contada, una pieza del rompecabezas cultural que merece ser encajada. Así que, si alguna vez te has preguntado si hay alguien más ahí fuera que aprecia la música como tú, que busca significado en cada nota y poesía en cada acorde, la respuesta es un rotundo sí. Y ese alguien te está esperando en "Is There Anybody Out There?", listo para embarcarse contigo en un viaje musical que promete ser tan emocionante como revelador.

lunes, 31 de marzo de 2025

PROXIMO ESPECIAL 15 DE ABRIL 2025 "PINK FLOYD "ANIMALS"


Lanzado en enero de 1977, Animals es el décimo álbum de estudio de la icónica banda británica Pink Floyd. Este disco conceptual no solo muestra una evolución en su sonido respecto a Wish You Were Here, sino que también ofrece una crítica mordaz a la sociedad inglesa y al mundo industrializado de la época.

El álbum fue grabado en los estudios de la banda, Britannia Row, en Londres, en medio de un ambiente tenso. Durante la producción, comenzaron a surgir las primeras señales de conflicto interno que, años más tarde, llevarían a la salida de Roger Waters.

NO TE PIERDAS EL ESPECIAL DE ANIMALS, 15 DE ABRIL 2025, CON UN BOOTLEG MUY ESPECIAL MASTERIZADO POR MR.X.

sábado, 15 de marzo de 2025

ESPECIAL MARZO 2025 "PINK FLOYD "Meddle"

Pink Floyd "Meddle": El puente hacia la grandeza


Hablar de Meddle (1971) es sumergirse en un punto de inflexión para Pink Floyd, un álbum que sirvió de trampolín entre la experimentación psicodélica de sus primeros años y la grandeza conceptual que alcanzaron en la década de los 70. No es tan reconocido como The Dark Side of the Moon (1973) o Wish You Were Here (1975), pero es un disco crucial para entender la evolución de la banda. Es una obra de contrastes, de momentos etéreos y pasajes arrolladores, que parece tantear el terreno de lo que está por venir.

Meddle es el sexto álbum de estudio de Pink Floyd, lanzado en octubre de 1971. Se grabó en varios estudios de Londres, incluyendo Abbey Road, en un contexto de falta de material nuevo y sin una dirección clara, lo que llevó a la banda a experimentar para encontrar ideas, especialmente para la pieza clave: “Echoes”. A diferencia de futuros álbumes centrados en conceptos de Roger Waters, Meddle fue un trabajo grupal con aportes de todos los miembros.

La grabación se extendió de diciembre de 1970 a agosto de 1971, intercalada con giras. Fue bien recibido por la crítica británica y tuvo éxito en el Reino Unido, pero sufrió bajas ventas en Estados Unidos debido a una débil promoción.

Durante las sesiones, Pink Floyd experimentó con grabaciones en distintos estudios, buscando un sonido más flexible que el que ofrecían las ocho pistas de Abbey Road. Estos ensayos dieron origen a ideas como el “ping” de teclado que abre “Echoes” y el proceso de grabación por fragmentos, facilitado por la tecnología de multipistas.

Canciones como “One of These Days” surgieron de líneas de bajo en ostinato de Roger Waters, y en esta pieza Nick Mason aportó su única línea vocal en la historia de la banda. El álbum mezcla temas instrumentales, canciones de amor suaves (como “A Pillow of Winds”) y piezas experimentales, incluyendo “Seamus”, una curiosa mezcla de blues y ladridos de perro.

La portada, una imagen de una oreja bajo el agua, fue idea de Storm Thorgerson, aunque él mismo la consideró una de las peores de Pink Floyd. El título Meddle juega con el sonido de las palabras "medal" (medalla) y "meddle" (entrometerse).

Pese a las reseñas mixtas en su momento, con críticas divididas entre elogios y opiniones más tibias, Meddle es ahora considerado un trabajo clave en la evolución de Pink Floyd hacia su sonido clásico. Fue certificado oro en 1973 y doble platino en 1994, impulsado por el éxito posterior de la banda.

En resumen, Meddle es un álbum experimental, diverso y fundamental en la transición de Pink Floyd hacia obras conceptuales más ambiciosas, destacando especialmente por la épica “Echoes”.
Desde la primera escucha, Meddle deja claro que Pink Floyd está en plena transición. Atrás queda la influencia de Syd Barrett, pero todavía no han llegado a la perfección sonora de sus obras maestras. Es un álbum que juega con las texturas, con los sonidos ambientales, con el progresivo que apenas estaba tomando forma. Y, sobre todo, es un disco que transmite sensaciones más que historias, que se mueve más por la intuición que por la estructura clásica del rock.

El sonido de un cambio

El álbum abre con "One of These Days", una pieza instrumental que se ha convertido en un clásico de la banda. Aquí se siente la influencia de los experimentos sonoros de la época, con un bajo hipnótico y procesado con delay que nos introduce en un torbellino sonoro. Es agresiva, con una energía contenida que estalla en los momentos precisos. La voz distorsionada que proclama "One of these days, I'm going to cut you into little pieces" le da un aire amenazante, casi cinematográfico. Es un inicio demoledor, y uno de los momentos más vibrantes del álbum.

Después de esta tormenta inicial, Meddle nos sumerge en un paisaje completamente distinto con "A Pillow of Winds". Aquí la banda se inclina por una atmósfera serena, casi pastoral, con guitarras acústicas que flotan suavemente. Es un tema que casi parece un susurro después del caos anterior, como si Pink Floyd quisiera recordarnos que también son capaces de evocar tranquilidad y belleza sin necesidad de grandes despliegues.

En "Fearless", la banda experimenta con cambios de ritmo y melodías relajadas que parecen anticipar el sonido de Wish You Were Here. La canción tiene un aire optimista, inusual para Pink Floyd, pero lo más llamativo es su cierre: la grabación de hinchas del Liverpool cantando "You'll Never Walk Alone". Este detalle, aparentemente insignificante, refuerza la sensación de que la banda está expandiendo sus horizontes, probando elementos poco convencionales.

"San Tropez" es probablemente el tema más inesperado del disco. Es casi una pieza de jazz ligero, con un aire desenfadado que rompe con la solemnidad habitual de Pink Floyd. No es de sus mejores composiciones, pero tiene un encanto despreocupado que la hace destacar. En cambio, "Seamus" es un desliz extraño: un blues con ladridos de perro que parece más una broma de estudio que un tema serio. No es que Pink Floyd no haya experimentado con el humor antes (o después), pero aquí se siente como un relleno.

"Echoes": la piedra angular

Y entonces llegamos a "Echoes", la pieza que define Meddle y que, por sí sola, justifica la existencia del álbum. Con sus 23 minutos, esta suite es el verdadero puente entre el pasado y el futuro de Pink Floyd. Comienza con un sonido etéreo, casi alienígena, gracias al "ping" de un piano procesado con efectos de delay. A partir de ahí, la canción se despliega en múltiples fases: momentos de rock progresivo melódico, pasajes espaciales, y un clímax apoteósico que se siente como una revelación.

"Echoes" es, en muchos sentidos, la versión prototipo de lo que la banda perfeccionaría en The Dark Side of the Moon. Su estructura es ambiciosa, pero todavía tiene un aire de improvisación que la hace sentir orgánica, casi como si fuera una creación en tiempo real. A diferencia de otras suites progresivas de la época, "Echoes" nunca se siente forzada ni pretenciosa; cada sección fluye con naturalidad, llevándonos de la mano a través de paisajes sonoros que parecen sacados de un sueño.

El punto medio de la canción, con sus sonidos abstractos y su atmósfera casi de ciencia ficción, es uno de los momentos más arriesgados del álbum. Es un recordatorio de que Pink Floyd sigue ligado a la experimentación, pero que ahora lo hace con una dirección más clara. Y cuando la canción retoma su melodía principal hacia el final, se siente como un renacimiento, un regreso a la luz después de haber vagado por el vacío.

TEMAS

1. «One of These Days»

GilmourWatersWrightMason

instrumental 5:57

2. «A Pillow of Winds»

GilmourWaters

Gilmour 5:13

3. «Fearless» (including «You’ll Never Walk Alone»)

GilmourWaters

(including Rodgers, Hammerstein II) , Gilmour 6:08

4. «San Tropez» Waters Waters 3:44

5. «Seamus»

GilmourWatersWrightMason

Gilmour 2:15

6. «Echoes»

WrightGilmourWatersMason

Gilmour and Wright 23:31


Pink Floyd

David Gilmour – electric guitars (1-4, 6), acoustic guitars (2-3, 5), bass (in unison with Waters) (1), harmonica (5), lead vocals (2, 3, 5, 6)

Roger Waters – bass (all tracks), acoustic guitar and lead vocals (4)

Nick Mason – drums (1, 3-4), percussion (2-4, 6), vocal phrase (1)

Rick Wright – Hammond organ (1-2, 6), piano (1, 3-6), Farfisa organ (6), treated piano (1, 6), co-lead vocals (6), EMS VCS 3 (1)


TAMBIEN.-

Rob Black – engineering (Morgan Studio)

Peter Bown – engineering (Air and EMI Studios)

Bob Dowling – outer sleeve photos

James Guthrie – remastering

Hipgnosis – band photo

John Leckie – engineering (Air and EMI Studios)

Tony May – inner sleeve photos

Pink Floyd – album cover design

Roger Quested – engineering (Morgan Studio)

Doug Sax – remastering

Seamus the Dog – vocals on «Seamus»

Storm Thorgerson – design 

Un álbum infravalorado pero esencial

Meddle no tiene un concepto unificador ni una historia clara, pero es un álbum que captura a la perfección un momento de transición. Es el sonido de una banda encontrando su identidad definitiva, explorando sus límites sin las restricciones de la industria o las expectativas del público. No es perfecto, pero en sus imperfecciones radica su encanto: es un álbum vivo, en constante movimiento, lleno de riesgos y momentos inolvidables.

Puede que no tenga la fama de los discos que vinieron después, pero sin Meddle, Pink Floyd no habría sido el mismo. Es el álbum que preparó el camino para su etapa dorada, y "Echoes" es la prueba definitiva de que la banda estaba a punto de alcanzar su máxima expresión artística. Si The Dark Side of the Moon es la obra maestra pulida y perfecta, Meddle es el boceto fascinante que la hizo posible. Y eso lo convierte en un álbum imprescindible.

El álbum "Meddle" de Pink Floyd, lanzado originalmente el 5 de noviembre de 1971, ha sido objeto de varias reediciones a lo largo de los años. Una de las más destacadas fue realizada por Mobile Fidelity Sound Lab, que publicó una versión en LP remasterizada y, en abril de 1989, una edición en CD de oro en su formato "Ultradisc". Además, el álbum se incluyó en la caja recopilatoria "Shine On", lanzada el 2 de noviembre de 1992. 



Según el sitio Discogs, existen más de 675 versiones de "Meddle", que abarcan diferentes formatos, países y años de lanzamiento. Estas incluyen ediciones en vinilo, CD y otras variantes, tanto oficiales como no oficiales. 

En España, "Meddle" se lanzó en 1971 bajo el sello Harvest con la referencia 1J 064-04.917. 

Es importante tener en cuenta que algunas ediciones no oficiales, como ciertos picture discs, están bloqueadas para su venta en plataformas como Discogs debido a restricciones legales. 

La gira de Meddle (1971) de Pink Floyd fue un punto de inflexión en la evolución de la banda. Aunque no fue una gira formal exclusivamente dedicada a este álbum, las presentaciones de la época reflejaban una transición crucial en su sonido: del rock psicodélico experimental de finales de los 60 hacia el estilo progresivo que los definiría en la década siguiente.

Un Viaje Sonoro y Visual

Durante los años 1971 y 1972, Pink Floyd recorrió Europa y América del Norte, llevando su música a escenarios que iban desde teatros íntimos hasta grandes arenas. En estos conciertos, las canciones de Meddle, especialmente Echoes, se convirtieron en piezas centrales de su repertorio en vivo.

Las presentaciones de Echoes eran hipnóticas: una odisea de más de 20 minutos en la que los efectos de sonido, las guitarras etéreas de David Gilmour y la batería precisa de Nick Mason se combinaban con los característicos sintetizadores y órganos de Richard Wright. Roger Waters, con su bajo pulsante y su presencia en el escenario, le daba cohesión a la experiencia. Para muchos, estos conciertos eran más que simples espectáculos; eran viajes inmersivos donde la música y la iluminación envolvían al público en una atmósfera surrealista.

La Magia del Momento

Uno de los conciertos más memorables de esta época tuvo lugar en Pompeya, aunque en un formato único: sin público. En octubre de 1971, la banda grabó Pink Floyd: Live at Pompeii, un espectáculo filmado en el anfiteatro romano vacío, donde solo el viento y la historia milenaria acompañaban su música. Este concierto capturó la esencia de Meddle: una obra introspectiva y cinematográfica que evocaba tanto la inmensidad del cosmos como la profundidad del alma humana.

La Evolución del Sonido

En el transcurso de la gira, la banda también comenzó a probar material nuevo, algunas de las primeras semillas de lo que eventualmente se convertiría en The Dark Side of the Moon. La experimentación con sintetizadores, la fusión de sonidos ambientales y los cambios de dinámica en sus composiciones hicieron de estos shows un laboratorio sonoro en constante transformación.

El público que asistió a estos conciertos no solo vio a Pink Floyd en acción, sino que fue testigo del nacimiento de una era. La gira de Meddle no fue la más famosa ni la más extensa de su carrera, pero representó el momento en el que la banda dejó de ser simplemente un grupo de rock experimental para convertirse en arquitectos de experiencias musicales únicas e inolvidables.

BOOTLEGS

Pink Floyd 1971-10-17 - From Oblivion - Golden Hall, San Diego, California








El concierto de Pink Floyd del 17 de octubre de 1971 en el Golden Hall de San Diego, California, fue un momento crucial en la evolución de la banda. Este show, conocido como "From Oblivion", capturó a Pink Floyd en un periodo de transición creativa, justo después del lanzamiento de su álbum "Meddle" ese mismo año.

La actuación incluyó material de "Meddle", como la épica "Echoes". Esta pieza de 23 minutos habría sido un punto culminante del concierto, llevando a la audiencia a un viaje sónico con sus atmósferas etéreas y pasajes experimentales. La interpretación en vivo de "Echoes" permitió a la banda expandir aún más los límites de la canción, aprovechando la energía del público para crear un momento verdaderamente inmersivo.

Otro tema de "Meddle" fue "One of These Days", con su distintivo bajo pulsante y efectos de sonido hipnóticos.

El concierto también incluyó temas más antiguos como "Careful With That Axe, Eugene", "Set The Controls For The Heart Of The Sun" y "Atom Heart Mother", demostrando cómo la banda estaba fusionando su pasado psicodélico con su emergente sonido progresivo.

La atmósfera en el Golden Hall debió ser eléctrica. Los fans, ansiosos por escuchar el nuevo material, se habrían maravillado con la evolución sonora de la banda. El uso innovador de la tecnología de sonido y los efectos visuales, característicos de Pink Floyd, seguramente elevaron la experiencia a un nivel casi trascendental.

Este concierto no solo fue un escaparate del nuevo material de Pink Floyd, sino también un vistazo al futuro de la banda. Las semillas de lo que se convertiría en "The Dark Side of the Moon" ya estaban presentes en su música y enfoque creativo. Para los afortunados asistentes, fue una noche que quedó grabada en sus memorias, un momento en el que fueron testigos de una banda en el umbral de la grandeza, explorando nuevos territorios sonoros y empujando los límites de lo que era posible en un concierto de rock.

TEMAS

1-1 Careful With That Axe, Eugene 13:01

1-2 Fat Old Sun 15:58

1-3 Atom Heart Mother 16:03

1-4 The Embryo 12:00

1-5 Set The Controls For The Heart Of The Sun 13:00

2-1 Cymbaline 11:43

2-2 One Of These Days 6:00

2-3 Echoes 24:00

2-4 A Saucerful Of Secrets 6:27

2-5 Green Is The Colour 5:53

2-6 Floyd's Blues 5:09


Pistas 1-1 a 2-1, 2-6: grabadas en vivo en Community Concourse, San Diego, EE. UU., 17 de octubre de 1971.

Pistas 2-2 a 2-3: grabadas en vivo en Paris Cinema, Londres, Reino Unido, 30 de septiembre de 1971.

Pista 2-4: grabadas en vivo en 201 Piccadilly Studio 1, Londres, Reino Unido, 25 de junio de 1968.

Pista 2-5: grabadas en vivo en BBC, Paris Cinema, Londres, Reino Unido, 12 de mayo de 1969.

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Pink Floyd - One Of These Days • Live in London 1971








El concierto "Pink Floyd: Live in London 1971" es una grabación histórica que captura a la legendaria banda británica en un momento crucial de su evolución musical. Aunque el título sugiere que el evento tuvo lugar en 1971, en realidad corresponde a una actuación en el Paris Theatre de Londres el 16 de septiembre de 1970, grabada para la serie "In Concert" de la BBC con John Peel como anfitrión. 

Este concierto destaca por la interpretación de piezas emblemáticas como "Atom Heart Mother", "If", "Embryo", "Green Is The Colour" y "Careful With That Axe, Eugene". La calidad del audio es notable, comparable a una producción oficial, lo que permite apreciar la destreza y creatividad de la banda en una etapa de transición hacia sonidos más experimentales. 

Un aspecto curioso de este periodo es la intención de Pink Floyd de ofrecer experiencias más allá de la música en sus conciertos. Por ejemplo, en 1971, durante una presentación en el Crystal Palace Bowl de Londres, la banda intentó sorprender al público con un pulpo hinchable gigante que emergía del agua. Sin embargo, la situación se descontroló cuando los asistentes, entusiasmados, interactuaron con la instalación, causando daños y una escena caótica con peces muertos flotando en el estanque. 

En resumen, "Pink Floyd: Live in London 1971" es un testimonio valioso de la evolución artística de la banda, mostrando su habilidad para fusionar música y espectáculo, y su constante búsqueda por ofrecer experiencias únicas a su audiencia.

TEMAS

Pink Floyd - One Of These Days • Live in London 1971

1 John Peel Intro 0:41
2 Fat Old Sun 14:15
3 John Peel Intro 0:37
4 One Of These Days 6:51
5 John Peel Intro 0:26
6 Embryo 10:23
7 John Peel Intro 0:21
8 Echoes 26:33
9 Blues 4:52
Bonus Track
10 Astronomy Domine 8:35

Pistas 1 a 9 - en concierto, Paris Theatre (Paris Cinema), Londres, 30 de septiembre de 1971.
Pink Floyd promocionando su nuevo álbum 'Meddle'.

Pista 10 grabada en The Roundhouse, Chalk Farm, Londres. 17 de enero de 1971.

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sábado, 1 de marzo de 2025

PROXIMO ESPECIAL 15 DE MARZO 2025 "PINK FLOYD "Meddle"

Pink Floyd "Meddle": El puente hacia la grandeza


Hablar de Meddle (1971) es sumergirse en un punto de inflexión para Pink Floyd, un álbum que sirvió de trampolín entre la experimentación psicodélica de sus primeros años y la grandeza conceptual que alcanzaron en la década de los 70. No es tan reconocido como The Dark Side of the Moon (1973) o Wish You Were Here (1975), pero es un disco crucial para entender la evolución de la banda. Es una obra de contrastes, de momentos etéreos y pasajes arrolladores, que parece tantear el terreno de lo que está por venir.

NO TE PIERDAS EL ESPECIAL DE MEDDLE, 15 DE MARZO 2025

sábado, 15 de febrero de 2025

ESPECIAL FEBRERO 2025 "Deep Purple Come Taste the Band"

 


 


"Come Taste the Band" Deep Purple – El rugido final de una era.

Cuando Deep Purple lanzó Come Taste the Band en 1975, la banda ya había pasado por varias transformaciones, pero este álbum marcó un cambio aún más radical: era el único sin Ritchie Blackmore, reemplazado por Tommy Bolin. Para muchos fans, la idea de un Deep Purple sin Blackmore era difícil de aceptar, pero lo cierto es que este disco, aunque diferente, tiene su propio encanto.

Desde el inicio con "Comin’ Home", queda claro que Bolin trajo un sonido más funky y groovy a la banda. Su estilo es menos neoclásico y más cercano al blues-rock con tintes soul, lo que le da un aire fresco a la música de Purple. Glenn Hughes, cada vez con más protagonismo, empuja aún más ese sonido funky, mientras que David Coverdale demuestra por qué era una de las mejores voces de la época.

Canciones como "Gettin’ Tighter" reflejan perfectamente esa fusión de hard rock con funk, mientras que "You Keep on Moving", con su atmósfera melancólica y envolvente, es probablemente el tema más recordado del álbum. Bolin brilla en "Owed to 'G'", un instrumental que muestra su sensibilidad como guitarrista, aunque sin la agresividad característica de Blackmore.

El problema de Come Taste the Band no es la falta de calidad, sino que suena más a una banda nueva que a Deep Purple. Hay momentos en los que sientes que estás escuchando un proyecto paralelo de Coverdale, Hughes y Bolin, en lugar de los creadores de Machine Head o In Rock. Además, las tensiones internas y el abuso de sustancias jugaron en contra, afectando la cohesión del grupo.

En retrospectiva, este álbum es injustamente subestimado. No es el clásico sonido de Purple, pero tiene grandes momentos y una energía distinta que merece ser apreciada. No salvó a la banda del colapso, pero dejó claro que incluso en su última fase antes de separarse, Deep Purple seguía dispuesto a experimentar.
 





Tommy Bolin, el joven guitarrista estadounidense que se unió a Deep Purple en 1975, dejó una huella indeleble en el álbum "Come Taste the Band". Su llegada trajo consigo una ola de frescura y versatilidad que transformó el sonido característico de la banda británica.
Bolin era un torbellino de creatividad y energía. Su estilo, forjado en las jam sessions de jazz y en los escenarios del rock duro, fusionaba elementos de funk y soul con el hard rock que había definido a Deep Purple. Esta mezcla explosiva dio como resultado un álbum que sorprendió tanto a fans como a críticos.
En el estudio, Bolin era pura magia. Sus dedos volaban sobre las cuerdas, creando solos electrizantes que parecían desafiar la gravedad. Pero no era solo técnica; cada nota estaba impregnada de emoción y espontaneidad. La banda se contagió de su entusiasmo, y las sesiones de grabación se convirtieron en momentos de pura alquimia musica.
Sin embargo, la historia de Bolin con Deep Purple no fue un cuento de hadas. Su lucha contra las drogas añadió un elemento de caos a la dinámica del grupo. En el escenario, podía ser brillante una noche y errático la siguiente. Esta inestabilidad, aunque problemática, también aportó un elemento de imprevisibilidad y emoción a las actuaciones en vivo.
A pesar de los desafíos, "Come Taste the Band" sigue siendo un testimonio del talento y la visión musical de Bolin. Su breve paso por Deep Purple dejó una marca indeleble, demostrando que a veces, los cambios más audaces pueden producir los resultados más sorprendentes.

Del mismo modo que Stormbringer, Come Taste the Band estuvo fuera de catálogo durante más de veinte años en los EE. UU., pero fue relanzado el 31 de julio de 2007 en este país junto con Made in Europe y Stormbringer.


Come Taste The Band: 35th Anniversary Edition       


Las principales diferencias entre la versión original de "Come Taste The Band" y la edición del 35 aniversario son:

Remasterización: La edición del 35 aniversario incluye una versión remasterizada del álbum original, lo que mejora la calidad de sonido.

Contenido adicional: La edición especial es un set de dos discos, mientras que el original era un solo álbum.

Bonus tracks:

Disco 1: Incluye la versión single de "You Keep On Moving" como pista adicional.

Disco 2: Contiene dos pistas extra: "Same in L.A." y "Bolin/Paice Jam".

Remixes: El segundo disco incluye remixes del álbum original realizados por Kevin Sherley.

Material visual: La edición del 35 aniversario viene con un libreto de 24 páginas que contiene la historia completa de la creación del álbum, fotos inéditas y reproducciones de pósters y memorabilia.

Presentación: Es probable que el empaque y la presentación física del álbum sean diferentes, reflejando su estatus de edición especial.

Contexto histórico: La edición del 35 aniversario proporciona una perspectiva histórica del álbum, situándolo en el contexto de la carrera de Deep Purple y su importancia en la discografía de la banda.

Estas diferencias hacen que la edición del 35 aniversario sea una versión expandida y mejorada del álbum original, ofreciendo a los fans y coleccionistas una experiencia más completa de "Come Taste The Band".

Gira Come Taste the Band




                Burn                         7:00

Love Child 4:42

You Keep On Moving 6:09

Wild Dogs 6:01

Lady Luck 3:07

Smoke On The Water 6:21

Soldier Of Fortune 2:22

Woman From Tokyo 3:59

Highway Star 6:46


La gira de "Come Taste the Band" y el adiós de una era


1975 fue un año de cambios para Deep Purple. Ritchie Blackmore, el mago de las seis cuerdas, había dejado la banda y su vacío parecía imposible de llenar. Pero la máquina no podía detenerse. Con la llegada de Tommy Bolin, un joven guitarrista estadounidense con un estilo más funky y experimental, Deep Purple se lanzó a una nueva aventura: la gira de Come Taste the Band.

Desde el primer show en noviembre del ‘75 hasta la desastrosa última fecha en marzo del ‘76, la gira fue una montaña rusa de emociones, música incendiaria y tensiones internas. La banda estaba en un punto crítico: David Coverdale y Glenn Hughes empujaban hacia un sonido más soul y funk, mientras que Jon Lord e Ian Paice intentaban mantener la esencia clásica de Purple. Tommy Bolin, por su parte, traía un aire fresco, pero también una lucha interna con sus demonios.

Los conciertos fueron una mezcla de momentos gloriosos y noches caóticas. Cuando todo encajaba, Deep Purple sonaba más dinámico y poderoso que nunca. Bolin aportaba solos llenos de color y Coverdale se hacía con el escenario como un verdadero frontman. Hughes, con su energía y su potente voz, añadía una dimensión nueva a los shows. Pero en otras noches, especialmente cuando las drogas pasaban factura, la banda se tambaleaba. En ciertas fechas, Bolin tenía problemas para tocar debido a su deteriorado estado de salud, lo que afectaba el rendimiento general.

El punto final llegó el 15 de marzo de 1976 en Liverpool. Fue un concierto marcado por el agotamiento y la tensión. Después de aquella noche, Ian Paice, Jon Lord y Coverdale decidieron que era suficiente: Deep Purple se desmoronaba y cada uno tomó su camino.

La gira de Come Taste the Band quedó como un capítulo agridulce en la historia de la banda. Fue el último suspiro de Deep Purple en los 70 antes de su disolución, y aunque el álbum y su gira fueron criticados en su momento, con el tiempo han sido reivindicados. Tommy Bolin, tristemente, no viviría para ver este reconocimiento; su vida se apagó prematuramente en 1976.

Pero más allá de las sombras, aquella gira dejó un legado: la prueba de que Deep Purple siempre fue más grande que sus integrantes individuales y que su esencia, aunque mutara, seguía latiendo fuerte en cada escenario que pisaron.

CONCIERTOS

Deep Purple -  Live At Long Beach Arena 1976




Deep Purple en Long Beach Arena, 1976: Una noche de fuego y virtuosismo

El 27 de febrero de 1976, la Long Beach Arena de California se convirtió en un santuario del hard rock. Deep Purple, ya consagrados como titanes del género, ofrecieron una noche inolvidable con su formación Mark IV, liderada por el vocalista David Coverdale y el guitarrista Tommy Bolin. Fue un concierto eléctrico, cargado de energía y virtuosismo, que dejó una huella imborrable en todos los presentes.

Desde los primeros acordes de "Burn", el público supo que iba a ser testigo de algo especial. Coverdale, con su imponente presencia escénica y su voz profunda y rasgada, encendió la audiencia desde el primer segundo. A su lado, Bolin, que tenía la difícil tarea de llenar los zapatos del legendario Ritchie Blackmore, demostró ser un guitarrista con un estilo propio: más blusero, más improvisador, pero igual de explosivo. Aunque su actuación tuvo algunos altibajos debido a problemas personales, su talento brilló en momentos clave, como en la majestuosa interpretación de "Lady Luck".

Glenn Hughes, el bajista y vocalista secundario, inyectó una dosis extra de soul y funk al repertorio, especialmente en "Gettin’ Tighter", donde su voz y la de Coverdale se entrelazaron en un duelo feroz y apasionado. Jon Lord, con su Hammond en llamas, entregó solos llenos de dramatismo y teatralidad, mientras que Ian Paice, siempre sólido y preciso, mantuvo el ritmo como un motor imparable.

El punto álgido del concierto llegó con "Stormbringer" y "Smoke on the Water", que desataron la euforia en la arena. Miles de voces coreaban al unísono, en un momento de comunión pura entre banda y público. "Highway Star" puso el broche final con una explosión de velocidad y adrenalina que dejó a todos sin aliento.

Más que un simple concierto, aquella noche en Long Beach Arena fue un reflejo de una era dorada del rock. A pesar de las tensiones internas y los desafíos que enfrentaba la banda, Deep Purple demostró por qué su legado sigue vivo hasta hoy. Fue una noche de fuego, pasión y, sobre todo, música en su estado más puro.

1-1 Intro 2:01

1-2 Burn

Written-By – David Coverdale, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore

7:37

1-3 Lady Luck

Written-By – David Coverdale, Ian Paice, Jeffrey Cook, Ritchie Blackmore, Tommy Bolin

3:06

1-4 Getting Tighter

Written-By – Glenn Hughes, Tommy Bolin

14:10

1-5 Love Child

Written-By – David Coverdale, Tommy Bolin

5:50

1-6 Smoke On The Water / Georgia On My Mind

Written-By [Georgia On My Mind] – Hoagy Carmichael, Stuart Gorrell

Written-By [Smoke On The Water] – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

8:58

1-7 Lazy

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

16:43

1-8 Homeward Strut

Written-By – Tommy Bolin

5:56

2-1 This Time Around

Written-By – Glenn Hughes, Jon Lord, Tommy Bolin

4:25

2-2 Owed To G

Written-By – Glenn Hughes, Jon Lord, Tommy Bolin

2:53

2-3 Guitar Solo Tommy Bolin 10:33

2-4 Stormbringer

Written-By – David Coverdale, Ritchie Blackmore

11:37

2-5 Highway Star

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

7:19

Bonus - Live In Springfield 1976

2-6 Smoke On The Water / Georgia On My Mind

Written-By [Georgia On My Mind] – Hoagy Carmichael, Stuart Gorrell

Written-By [Smoke On The Water] – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

9:41

2-7 Going Down

Written-By – Don Nix

7:44

2-8 Highway Star

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

6:26

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Deep Purple - This Time Around, Live in Tokyo 1975



Era diciembre de 1975, y el legendario Budokan de Tokio se preparaba para recibir a una de las bandas más influyentes del rock: Deep Purple. Aunque la formación clásica ya no estaba completa—con David Coverdale en la voz y Glenn Hughes en el bajo y coros, reemplazando a Ian Gillan y Roger Glover—la energía que se vivió aquella noche fue de otro nivel.

Desde el primer acorde, quedó claro que este no sería un concierto cualquiera. Ritchie Blackmore, en una de sus últimas actuaciones con la banda antes de su salida, entregó solos electrizantes y llenos de furia, casi como si estuviera dejando una última marca imborrable en la historia de Deep Purple. Jon Lord, con su majestuoso teclado Hammond, tejía atmósferas únicas, mientras que Ian Paice mantenía la maquinaria en marcha con su batería precisa y poderosa.

Uno de los momentos más destacados fue la interpretación de Burn, que encendió al público desde el primer segundo con su riff arrollador. Coverdale y Hughes compartieron las voces con una química palpable, mostrando el contraste entre la voz grave y bluesera de Coverdale y los agudos casi estratosféricos de Hughes.

Sin embargo, la magia alcanzó su punto álgido con Mistreated, un blues pesado cargado de emoción en el que Coverdale dejó el alma en cada línea, mientras Blackmore esculpía notas llenas de melancolía y furia contenida. La interacción entre los músicos hacía que la canción se sintiera como un lamento crudo y auténtico.

A mitad del show, This Time Around/Owed to 'G' permitió que Hughes brillara con su virtuosismo vocal y una interpretación conmovedora al piano. Fue un instante de respiro antes de que la tormenta volviera con piezas como Stormbringer, que cerró la noche con una explosión de adrenalina y pura energía rockera.

El público japonés, siempre conocido por su respeto y admiración hacia los artistas, respondió con una ovación que parecía no terminar. Deep Purple, a pesar de estar en un momento de transición y tensiones internas, demostró que su música era más grande que cualquier conflicto. Esa noche en Tokio, la banda dejó una huella imborrable en la historia del rock, y este álbum en vivo es el testimonio de una era que, aunque turbulenta, nos regaló algunos de los momentos más apasionantes del género.

Burn 8:08
Lady Luck 2:58
Love Child 4:29
Gettin' Tighter 16:02
Smoke On The Water 9:31
Wild Dogs 6:05
I Need Love 5:47
Soldier Of Fortune 1:47
Jon Lord Solo 9:43
Lazy 13:07
This Time Around 3:38
Owed To G 3:29
Tommy Bolin Guitar Solo 7:09
Drifter 4:55
You Keep On Moving 5:59
Stormbringer 8:51
Highway Star 7:30

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sábado, 1 de febrero de 2025

Próximo especial 15 de Febrero "DEEP PURPLE Come Taste The Band"


Próximo disco para analizar y compartir algun bootleg de la época, 15 de Febrero "DEEP PURPLE Come Taste The Band".

 Considerado un disco injustamente olvidado, "Come Taste The Band" representa un momento complejo para Deep Purple. Grabado en un período de transición, con tensiones internas y problemas de adicciones, el álbum muestra a una banda en transformación.

Os esperamos el 15 de Febrero.

Mr.X

martes, 14 de enero de 2025

ESPECIAL ENERO 2025 "E.L.O Part II Moment Of Truth (1994)"

ESPECIAL ENERO 2025 "E.L.O Part II Moment Of Truth (1994)"

Electric Light Orchestra Part II surgió como un fénix de las cenizas de la icónica ELO original. Tras la disolución de ELO a finales de los años 80, algunos miembros decidieron mantener viva la llama de su música única. Liderados por el baterista Bev Bevan, la nueva formación se embarcó en una aventura musical que mezclaría nostalgia y renovación.

"Moment of Truth", es el segundo y último álbum de ELO Part II, salió a la luz en octubre de 1994, marcando un momento crucial para esta formación nacida de las cenizas de la legendaria Electric Light Orchestra. Bev Bevan, el baterista original de ELO, lideró este nuevo proyecto junto a otros ex miembros y caras nuevas, buscando mantener viva la esencia de la banda original mientras exploraban nuevos horizontes musicales.

El álbum, producido por Stephan Galfas, contó con un elenco estelar: Bev Bevan a la batería, Mik Kaminski al violín, Louis Clark en los teclados orquestales, Kelly Groucutt al bajo, Eric Troyer en teclados y Phil Bates en la guitarra, todos ellos aportando también sus voces. Esta alineación buscaba recrear la magia del sonido ELO, pero con un toque más acorde a los años 90.

Con 18 pistas que incluían canciones completas e interludios instrumentales, "Moment of Truth" ofreció casi 54 minutos de música que mezclaba el rock sinfónico característico de ELO con toques de rock más contemporáneo. El álbum marcó una transición sutil de los arreglos de cuerdas tradicionales hacia un mayor uso de sintetizadores, adaptándose así a los gustos musicales de la época.

Entre las canciones destacadas, "Power of a Million Lights" fue elogiada por capturar la esencia del sonido clásico de ELO. "One More Tomorrow" se convirtió en un sencillo importante en el intento de la banda por reconectar con el público estadounidense3. Curiosamente, "The Fox" era una reedición de una canción del EP en solitario de Kelly Groucutt de 1985.

La recepción del álbum fue variada. Algunos críticos lo consideraron menos sustancioso comparado con el trabajo anterior de ELO, mientras que otros apreciaron la consistencia sonora con el legado de Jeff Lynne, especialmente en temas como "Power of a Million Lights".

A pesar de no alcanzar el éxito comercial de los álbumes clásicos de ELO, "Moment of Truth" ha mantenido un lugar especial en el corazón de los fans. Tanto es así que en 2021, Renaissance Records lanzó una reedición en CD y, por primera vez, en vinilo, incluyendo material adicional como demos y versiones de radio.

En resumen, "Moment of Truth" representa un capítulo fascinante en la evolución del rock sinfónico de los 90, mostrando cómo ELO Part II se esforzó por mantener viva la llama de Electric Light Orchestra mientras buscaba su propio camino en un panorama musical en constante cambio.

Temas:

01. Moment Of Truth

02. Breakin4 Down The Walls

03. Power Of Million Lights

04. Interlude 3

05. One More Tomorrow

06. Don't Wanna

07. Voices

08. Interlude 2

09. Vixen

10. The Fox

11. Love Or Money

12. Blue Violin

13. Whiskey Girls

14. Interlude 1

15. Twist Of The Knife

16. So Glad You Said Goodbye

17. Underture

18. The Leaving

REEDICION 2021

Local Hero (Demo)

Power of a Million Lights (Demo)

Love or Money (Demo)

Rain Down Fire (Demo)

Breakin' Down the Wall (Radio Edit)

Power of a Million Lights (Demo)


ELO Part II 

Bev Bevan – batería

Mik Kaminski – violín

Louis Clark – teclados orquestales y arreglos orquestales

Kelly Groucutt – bajo y voz

Eric Troyer – teclados y voz

Phil Bates – guitarra y voz

Músicos adicionales

Percusión: Hossam Ramzy

Cuerdas : The London Session Orchestra; líder: Gavyn Wright (incluido Wilf Gibson )













Os pasamos un bootleg con temas en directo y los extras que salieron en el 2021.


LIVE

01. Moment Of Truth Overture
02. Breaking Down The Walls
03. Don't Wanna
04. Whiskey Girls
05. One More Tomorrow
06. The Fox

2021

07. Local Hero (Demo)
08. Power of a Million Lights (Demo)
09. Love or Money (Demo)
10. Rain Down Fire (Demo)
11. Breakin' Down the Wall (Radio Edit)
12. Power of a Million Lights (Demo)


Había mas material grabado del que salió en el album, en el estudio de Phil Bates se grabaron mas temas que quedaron desechados, o para un tercer album que nunca vio la luz. 


The Panic Room Sessions
Originalmente, se iba a lanzar como un tercer álbum de ELO p2, pero toda la operación tuvo que ser cancelada porque se había grabado en el estudio casero de Phil Bates (The Panic Room) poco antes de que dejara la banda.

1- Another day in the life in the life of a fool
2- Cookie crumbles
3- Local hero
4- Over midland skies
5- Perpetual light
6- Piece with no name
7- Port in a storm
8- Rain down fire
9- Rollercoaster
10- Sittin on top of the world
11- Touch
12- Waiting for the $#!% to hit the fan
13- Walk upon the water
14- Instrumental


GIRA "Moment Of Truth"

La gira de ELO Part II para promocionar su álbum "Moment of Truth" de 1994 fue una montaña rusa de emociones para la banda y sus seguidores. Imagina el nerviosismo y la emoción de los seis integrantes al subir al escenario, listos para demostrar que aún podían hacer magia con la música de ELO.
El repertorio era como una caja de chocolates surtidos: dos tercios de dulces clásicos que todos conocían y amaban, mezclados con nuevas creaciones que esperaban conquistar los paladares musicales del público. La nave espacial de ELO, diseñada por Tom McPhillips, se alzaba majestuosa en el escenario, como un guiño nostálgico a los fans de toda la vida.
Al principio, la banda se asoció con la imponente Orquesta Sinfónica de Moscú. Imagina a 80 músicos rusos, dirigidos por el maestro Konstantin Krimets, fusionando su sonido con el rock progresivo de ELO Part II. ¡Qué mezcla tan explosiva!
Pero, como suele suceder, el presupuesto empezó a apretar. La solución? Una gira musical al estilo "adopta una orquesta". En cada ciudad, ELO Part II se unía a una orquesta local diferente, creando una experiencia única en cada concierto.
En el Reino Unido, la gira fue como una taza de té caliente en un día lluvioso: reconfortante y bien recibida. Sin embargo, el álbum "Moment of Truth" no logró conquistar las listas de éxitos como esperaban. Era como si hubieran preparado un banquete, pero los invitados solo picotearan el aperitivo.
A pesar de todo, esta gira fue como un puente musical entre el pasado y el presente de ELO. Puede que no haya llenado estadios como en los viejos tiempos, pero seguro que hizo brillar los ojos de más de un fan nostálgico al escuchar una vez más sus canciones favoritas en vivo.
De esta gira salió el doble album "Live in Australia" 
 

El álbum "One Night - Live in Australia" de ELO Part II es un testimonio vibrante de la música en vivo y la conexión entre los artistas y su público. Grabado durante una noche especial en tierras australianas, este disco captura la esencia de una banda que, aunque no era la formación original de Electric Light Orchestra, logró mantener vivo el espíritu y el sonido característico del grupo.

A lo largo de 26 canciones, ELO Part II lleva a los asistentes en un viaje musical a través del tiempo. Los arreglos orquestales y los sintetizadores se entrelazan con las guitarras eléctricas, creando ese sonido único que hizo famosa a la banda original. Puedes casi sentir la energía del público coreando los estribillos de los grandes éxitos y maravillándose con los solos de violín de Kaminski.

Este álbum en vivo no solo es un recuerdo de una noche mágica en Australia, sino también un homenaje a la perdurabilidad de la música de ELO. Aunque Jeff Lynne, el líder original, no estaba presente, la pasión y el talento de estos músicos logran transmitir la esencia de las canciones que han emocionado a generaciones.

Al escuchar este álbum, uno puede cerrar los ojos y transportarse a esa noche en Australia, sintiendo el calor de la multitud, la emoción de los músicos y la magia de la música en vivo. "One Night - Live in Australia" es más que un simple álbum en directo; es una celebración del legado musical de Electric Light Orchestra y un testimonio de cómo la música puede seguir viva y evolucionando, incluso cuando las bandas cambian y se transforman con el tiempo.

TEMAS

1-1 Standing In The Rain
Written-By – Lynne*
4:43
1-2 Evil Woman
Written-By – Lynne*
4:01
1-3 Don't Wanna
Written-By – Troyer*
4:04
1-4 Showdown
Written-By – Lynne*
4:55
1-5 Can't Get It Out Of My Head
Written-By – Lynne*
6:36
1-6 Whiskey Girls
Written-By – Bevan*, Bates*
3:47
1-7 Livin' Thing
Written-By – Lynne*
3:53
1-8 One More Tomorrow
Written-By – Bevan*, Kaminski*, Bates*
5:11
1-9 Mr. Blue Sky
Written-By – Lynne*
5:01
1-10 Telephone Line
Written-By – Lynne*
4:49
1-11 Ain't Necessarily So
Written-By – Bevan*, Bates*
4:02
1-12 The Fox
Written-By – Groucutt*
4:54
2-1 Strange Magic
Written-By – Lynne*
2:11
2-2 Sweet Talking Woman
Written-By – Lynne*
2:04
2-3 Confusion
Written-By – Lynne*
1:52
2-4 Do Ya
Written-By – Lynne*
2:27
2-5 Rockaria
Written-By – Lynne*
3:15
2-6 Roll Over Beethoven
Written-By – C. Berry*
5:55
2-7 All Fall Down
Written-By – Troyer*
3:22
2-8 Witness
Written-By – Bevan*, Bates*
3:32
2-9 1.000 Eyes
Written-By – Troyer*
2:18
2-10 Hold On Tight
Written-By – Lynne*
1:56
2-11 Turn To Stone
Written-By – Lynne*
2:47
2-12 Rock & Roll Is King
Written-By – Lynne*
3:26
2-13 The Last Train To London
Written-By – Lynne*
3:43
2-14 Don't Bring Me Down
Written-By – Lynne*
4:19

Bass, Vocals – Kelly Groucutt
Co-producer – Phil Bates (2)
Conductor – Louis Clark
Contractor [Orchestra] – Norman Harris (6)
Cover, Art Direction, Photography By – Carsten Windrich
Crew – Barrie Evans (4), David Shepley, Hans Bodroski, Roland Ruess
Drums – Bev Bevan
Engineer [Front Of House] – Roland Ruess
Engineer [Live Recording] – David Hemming
Executive-Producer – Stephan Galfas
Guitar, Vocals – Phil Bates (2)
Keyboards, Vocals – Eric Troyer
Management – Fiona Sanders-Reece*, Stephan Galfas
Management [Tour], Lighting Director – Greg Szabo
Mastered By – Mhp
Producer [Additional], Mixed By – Chris Tsangarides
Technician [Assistant] – James Palace
Violin – Mik Kaminski

BOOTLEG



Os dejamos un concierto de la gira "Moment Of Truth"con un sonido broadcast que se acentúa entre pista y pista, pero en general con un sonido fenomenal.

Electric Light Ochestra Part 2  Live at Pine Knob 1995

El 25 de junio de 1995, Electric Light Orchestra Part II ofreció un concierto memorable en Pine Knob, Michigan, EE.UU. La noche era cálida y el ambiente estaba cargado de expectación mientras los fans se congregaban en el anfiteatro al aire libre.
Cuando las luces se apagaron la banda apareció en el escenario, encabezada por el legendario baterista Bev Bevan. A su lado, Lou Clark en los teclados de cuerdas, Eric Troyer en los teclados, Phil Bates en la guitarra, Kelly Groucutt en el bajo y Mik Kaminski en el violín.
El espectáculo comenzó con fuerza con la "Moment of Truth Overture", seguida inmediatamente por "Standing in the Rain". La energía era palpable mientras la banda se sumergía en su repertorio de éxitos clásicos de ELO y nuevas composiciones.
Los fans cantaron al unísono durante temas como "Don't Bring Me Down" y "Mr. Blue Sky". El sonido era fenomenal, capturado profesionalmente para la posteridad. La atmósfera era eléctrica, con la audiencia totalmente entregada a la música que había definido una era.
Aunque Jeff Lynne no estaba presente, ELO Part II demostró que el espíritu de Electric Light Orchestra seguía vivo. El concierto fue un testimonio del poder duradero de la música de ELO y de la habilidad de estos músicos para mantener viva su llama.
Para muchos en la audiencia, fue una noche de nostalgia y redescubrimiento. Para otros, fue una introducción a un sonido que trascendía generaciones. Al final, cuando los últimos acordes se desvanecieron en la noche de Michigan, quedó claro que la magia de ELO, en cualquiera de sus encarnaciones, seguía siendo tan potente como siempre.

Bev Bevan (Drums)

Lou Clark (String Keyboards)

Eric Troyer (Keyboards)

Phil Bates (Guitar)

Kelly Groucutt (Bass)

Mik Kaminski (Violin



CD1



1  Moment Of Truth Overture

2  Standing In The Rain

3  Evil Woman

4  Don't Wanna

5  Showdown

6  Whisky Girls

7  All Over The World

8  Wild West Hero

9  Hold On Tight 

10 Turn To Stone

11 One More Tomorrow

12 Livin' Thing



CD2



1  Telephone Line

2  Sweet Talkin' Woman

3  Confusion

4  Do Ya

5  Rockaria

6  Roll Over Beethoven

7  Don't Bring Me Down

Cuando ELO se tomó un descanso, el baterista Bev Bevan no quiso que la música se detuviera. Así que en los 90, formó ELO Part II, como una especie de secuela no oficial. Era como si tu amigo del barrio decidiera continuar la fiesta después de que todos se hubieran ido a casa.
ELO Part II tocaba las viejas canciones que todos querian, pero sin el toque mágico de Jeff Lynne. Era como comer tu postre favorito, pero hecho por alguien que no tiene la receta secreta.
Mientras tanto, Jeff Lynne seguía siendo el dueño del "verdadero" ELO. En 2000, compró la parte de Bevan en el nombre, como si recuperara las llaves de su vieja casa.
Al final, ELO Part II tuvo que cambiar su nombre a "The Orchestra", como cuando te obligan a cambiar tu apodo en el colegio. Jeff Lynne, por su parte, siguió adelante con ELO, manteniendo viva la llama original.
Es como si ELO fuera esa banda de tu juventud que sigue tocando en grandes escenarios, mientras ELO Part II se convirtió en el grupo tributo que ves en el local de siempre. Ambos te hacen recordar los buenos tiempos, pero sabes que uno es el original y el otro, bueno, es una buena imitación.

Mr.X