ESPECIAL FEBRERO 2026 "Roger Waters Amused to Death (1992)"

Amused to Death – Roger Waters (1992)

La locura del sonido

Hay discos que no se escuchan: se atraviesan. Amused to Death es uno de ellos. No entra de golpe ni busca seducir con estribillos inmediatos; se instala despacio, como una conversación incómoda que empieza en voz baja y termina mirándote fijamente a los ojos. Roger Waters no quería hacer un álbum más después de Pink Floyd. Quería dejar constancia de algo que le dolía, que le indignaba y que, en el fondo, le daba miedo: la forma en que la humanidad aprende a mirar la violencia como entretenimiento.

Desde el primer segundo, con el sonido del televisor encendiéndose y apagándose, Waters nos coloca en el centro de su tesis: la guerra, el poder y la tragedia convertidas en espectáculo. El título, Amused to Death (“Divertidos hasta morir”), tomado del ensayo de Neil Postman, no es una metáfora elegante; es una acusación directa. Nos estamos riendo, distrayendo, consumiendo imágenes mientras el mundo se desangra en segundo plano.

Musicalmente, el disco es amplio y cinematográfico. No tiene prisa. Se apoya en guitarras limpias, atmósferas densas y silencios incómodos. Jeff Beck aparece como una especie de narrador emocional alterno: sus solos no presumen virtuosismo, lloran. Son lamentos eléctricos, casi humanos, que dicen lo que Waters no canta. Cada nota parece arrastrar cansancio, rabia y una tristeza vieja.

TEMAS:

The Ballad Of Bill Hubbard 4:19

What God Wants, Part I 6:00

Perfect Sense, Part I 4:16

Perfect Sense, Part II 2:50

The Bravery Of Being Out Of Range 4:43

Late Home Tonight, Part I 4:00

Late Home Tonight, Part II 2:13

Too Much Rope 5:47

What God Wants, Part II 3:41

What God Wants, Part III 4:08

Watching TV 6:07

Three Wishes 6:50

It's A Miracle 8:30

Amused To Death 9:06

“The Ballad of Bill Hubbard” abre el álbum como una herida histórica. La voz de un veterano de la Primera Guerra Mundial habla desde el pasado, y lo hace sin heroísmo. No hay gloria, solo memoria y eco. Desde ahí queda claro que este disco no romantiza la guerra; la expone como una maquinaria absurda que tritura personas y luego las olvida.

En “What God Wants”, Waters adopta el tono del poder cínico: Dios como excusa, la fe como moneda, la moral como arma. La canción es casi irónica, pero no graciosa; es amarga. Waters no grita, acusa con calma, como quien ya se cansó de discutir y simplemente enumera los hechos. Esa frialdad es lo que más incomoda.

“Perfect Sense” funciona como el corazón conceptual del álbum. La caída del mono del espacio no es solo un chiste negro: es la metáfora de la humanidad observándose a sí misma desde fuera y descubriendo que no ha aprendido nada. Aquí Waters se muestra casi paternal, decepcionado, preguntándose en qué momento perdimos la capacidad de distinguir entre progreso y destrucción.

Pero Amused to Death no es solo política y crítica social. Hay momentos profundamente humanos, casi íntimos. “Watching TV”, dedicada a Jean Charles de Menezes y a víctimas anónimas convertidas en noticia pasajera, es devastadora en su sencillez. Waters canta con una fragilidad poco habitual en él. No hay sarcasmo, solo dolor genuino. Es el momento en que el discurso se quiebra y aparece la persona detrás del mensaje.

Hacia el final, con “It’s a Miracle” y la canción que da nombre al álbum, el tono se vuelve casi apocalíptico. No porque Waters anuncie el fin del mundo, sino porque describe algo peor: la indiferencia. No morimos por una explosión, morimos distraídos, anestesiados, entretenidos. La risa como epitafio.

Humanizar Amused to Death es entender que no es un disco hecho desde la superioridad moral, sino desde la frustración. Roger Waters no se coloca fuera del problema; se incluye. Él también mira la televisión, él también consume, él también duda. Por eso el álbum no envejece: porque la pregunta sigue abierta. No es “¿quién tiene la culpa?”, sino “¿en qué momento dejamos de mirar con empatía?”.

Al terminar el disco no queda alivio. Queda silencio. Y en ese silencio aparece la verdadera fuerza de Amused to Death: no intenta darte respuestas, sino incomodarte lo suficiente como para que apagues la pantalla, aunque sea por un momento, y mires alrededor con otros ojos.

Algunas anécdotas del álbum

Una de las más comentadas tiene que ver con el sonido envolvente (QSound) que Waters utilizó en el disco. En 1992 era una tecnología bastante nueva y exigía una mezcla extremadamente precisa. Waters se obsesionó con ello: quería que los sonidos viajaran literalmente alrededor de la cabeza del oyente. Por eso hay perros ladrando “detrás” de ti, televisores que parecen venir desde otro cuarto y voces que te hablan al oído.

La anécdota es que muchos ingenieros pensaban que Waters estaba exagerando y perdiendo tiempo… hasta que se ponían los auriculares. Ahí entendían que el disco no estaba pensado para sonar “bonito”, sino para envolver y perturbar.

Otra historia interesante es la de Jeff Beck. Waters no le dio demasiadas indicaciones técnicas; simplemente le explicó el concepto del álbum y el clima emocional que buscaba. Beck grabó muchos de sus solos casi de forma improvisada. Waters quedó tan impactado que dejó tomas prácticamente crudas, sin pulir, porque sentía que ahí estaba la emoción real. Beck no “brilla”: sufre con la guitarra, y eso era justo lo que Waters quería.

¿Por qué no hubo gira en 1992–1993?

La razón principal fue una mezcla de limitaciones técnicas, desgaste personal y miedo al fracaso.

El álbum era casi imposible de reproducir en directo

Amused to Death depende muchísimo del QSound, de efectos espaciales y de sonidos pregrabados que en 1992 no podían reproducirse con fidelidad en un estadio o teatro. Waters sentía que llevarlo al escenario sin ese impacto sería traicionar el concepto.

Para él, este disco no era solo canciones: era una experiencia auditiva.

Waters estaba agotado emocionalmente

Venía de años muy tensos tras su salida de Pink Floyd, juicios legales, críticas constantes y comparaciones con la banda “sin él”. No estaba en un momento mental estable para exponerse a una gira larga, especialmente con un material tan oscuro y confrontacional.

Temor a la recepción del público

Waters sabía que Amused to Death no era un disco fácil. No tenía “hits” obvios ni momentos festivos. Él mismo admitió después que no estaba seguro de que el público quisiera pasar dos horas enfrentándose a un espejo tan incómodo.

En resumen: no hubo gira porque Waters no quería convertir ese disco en entretenimiento, lo cual es irónico y totalmente coherente con el mensaje del álbum.

Aunque no hubo gira oficial del álbum, las canciones no quedaron olvidadas.

Década de 2000

Waters empezó a rescatar temas como:

What God Wants, Part I

Perfect Sense (Part I & II)

The Bravery of Being Out of Range

Las tocó en giras como In the Flesh (1999–2002), donde el concepto político encajaba perfectamente.

Resumen de canciones de Amused to Death que sí se han tocado en directo

Canción Tocado en gira In the Flesh Existe registro oficial

What God Wants, Part I ✔️ Sí (DVD/Audio)

Perfect Sense (I & II) ✔️ Sí (DVD/Audio)

The Bravery of Being Out of Range ✔️ Sí (DVD/Audio)

It’s a Miracle ✔️ Sí (DVD/Audio)

Amused to Death ✔️ Sí (DVD/Audio)

BOOTLEG

Grabado en Sevilla (Spain) 1991, Lisboa (Portugal) 2006,  Portland 1999 (EEUU)

Amused to Death "LIVE"

01. What God Wants - part 1

02. Perfect Sense, Pt. 1 

03. Perfect Sense, Pt. 2 

04. The Bravery of Being Out of 

05. It’s a Miracle 

06. Amused to Death

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ESPECIAL ENERO 2026 "The Cure Disintegration 1989"

The Cure – Disintegration (1989): crónica de un corazón que se deshace lentamente.

Hay discos que no se escuchan: se habitan. Disintegration es uno de ellos. No entra de golpe, no busca el impacto inmediato ni la concesión fácil. Se desliza despacio, como una noche larga que sabes que va a recordarte cosas que preferirías tener dormidas. Cuando Robert Smith decidió llamarlo así, no estaba pensando solo en un proceso químico, sino en uno emocional: la lenta y dolorosa descomposición de los afectos, del tiempo, de la juventud y de la certeza de que nada permanece intacto.

Publicado en 1989, Disintegration llegó en un momento crucial para The Cure. Tras el éxito más luminoso y accesible de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, Smith sintió la necesidad casi física de volver a la penumbra. Cumplía treinta años y esa cifra le pesaba como una losa. Le aterraba la idea de convertirse en una caricatura pop de sí mismo. Así nació este álbum: como una reacción visceral, honesta y profundamente humana contra la superficialidad, incluso contra la suya propia.

Desde los primeros segundos queda claro que aquí no hay prisa. Los sintetizadores flotan, la batería de Boris Williams avanza con una cadencia hipnótica y el bajo de Simon Gallup —auténtica columna vertebral del disco— late como un corazón cansado pero obstinado. Disintegration no corre: se arrastra, se detiene, respira… y duele.

“Plainsong” abre el álbum como un amanecer frío. Es majestuosa, casi ceremonial. No necesita palabras inmediatas porque su misión es crear un estado de ánimo: el de alguien que mira atrás y comprende que algo esencial ya se ha perdido. Cuando Smith entra finalmente con su voz, suena frágil, suspendida, como si temiera romper el hechizo. No es una canción; es una puerta.

Luego llega “Pictures of You”, quizá uno de los grandes himnos emocionales de The Cure. Aquí la nostalgia no es un recuerdo bonito, sino una tortura. Las fotos no consuelan, hieren. Cada imagen es un recordatorio de lo que fue y ya no es. Smith canta con una mezcla devastadora de ternura y desesperación, como si abrazara un fantasma sabiendo que nunca responderá.

El álbum avanza como una montaña rusa emocional sin picos evidentes, pero con una intensidad constante que va calando. “Closedown” y “Last Dance” profundizan en el aislamiento y el miedo a la pérdida, mientras “Lovesong”, paradójicamente el tema más accesible y conocido, actúa como un espejismo. Es una declaración de amor sencilla y directa, pero incluso ahí hay una sombra: suena a promesa desesperada, a alguien que repite “te amaré siempre” porque teme que no sea suficiente.

“Fascination Street” introduce un pulso más físico, casi nocturno, con ese bajo envolvente que parece guiarte por una ciudad húmeda y decadente. Es sensual y oscura a la vez, como una confesión hecha a media voz en un callejón. En cambio, “Prayers for Rain” cae como una tormenta emocional: la rabia, la culpa y el deseo de expiación se mezclan en una atmósfera densa, casi asfixiante.

Uno de los momentos más humanos del disco llega con “The Same Deep Water as You”, una pieza larga, solemne, devastadora. Aquí la disolución ya no es metáfora: es aceptación. El amor se hunde y ambos saben que no hay salvación. La música se estira, se repite, insiste, como una mente atrapada en un pensamiento que no puede abandonar.

Hacia el final, “Disintegration” y “Homesick” funcionan como el núcleo emocional del álbum. La canción que da título al disco es amarga, casi cruel consigo misma. Smith canta como alguien que se observa romperse en tiempo real, consciente y sin posibilidad de frenar el proceso. Homesick, por su parte, es puro anhelo: no solo de un lugar, sino de un tiempo, de una versión de uno mismo que ya no existe.

El cierre con “Untitled” es especialmente significativo. No hay un gran final, no hay redención ni respuesta. Solo una sensación de cansancio emocional, de haber dicho todo lo que se podía decir. El disco termina como empezó: suspendido en el aire, dejando al oyente solo con sus pensamientos.

Disintegration no es un álbum para cualquier momento. Exige silencio, atención y cierta predisposición al desgarro. Pero cuando conecta, lo hace de una forma casi íntima, como si alguien hubiera escrito exactamente lo que tú nunca supiste expresar. No ofrece consuelo fácil, pero sí compañía. Y en eso reside su grandeza: en recordarnos que desintegrarse también es una forma profundamente humana de estar vivo.

Más que un clásico, Disintegration es un refugio para almas rotas. Un disco que no envejece porque habla de algo eterno: el miedo a perder, el dolor de amar y la certeza de que, al final, todo lo que somos es emoción intentando no desaparecer.

Durante la gestación de Disintegration hay una anécdota que con el tiempo se ha vuelto casi legendaria, no tanto por su espectacularidad como por lo simbólica que resulta para entender el espíritu del disco: el incendio en el estudio.

The Cure grababan gran parte del álbum en Outside Studios, en Hook End Manor, una antigua mansión inglesa cargada de historia… y de problemas. El ambiente era tenso desde el principio. Robert Smith estaba en un momento emocional frágil, obsesivo, trabajando jornadas interminables, persiguiendo un sonido denso y nocturno, mientras el resto del grupo se movía entre el agotamiento y la incertidumbre. No era una grabación cómoda ni feliz.

En medio de ese clima, se produjo un pequeño incendio en el estudio. No fue una catástrofe que arrasara con todo, pero sí lo bastante serio como para provocar humo, alarma y una interrupción total de las sesiones. Parte del equipo eléctrico se vio afectado y durante horas reinó el caos: técnicos apagando focos, instrumentos cubiertos a toda prisa y la sensación de que el proyecto podía literalmente “arder” antes de completarse.

Lo curioso es la reacción de Robert Smith. Lejos de entrar en pánico, interpretó el incidente casi como una señal. Años después contaría que el fuego le pareció una especie de metáfora brutal de lo que estaba ocurriendo con el disco y con él mismo: una obra construida desde la tensión, el exceso y el desgaste emocional, siempre al borde del colapso. Disintegration no solo hablaba de ruptura y decadencia; se estaba creando en medio de ellas.

El incendio también reforzó su determinación. Smith se negó a suavizar el álbum, a hacerlo más comercial o “seguro”. Si algo podía prender fuego en mitad del proceso, pensaba, era porque el disco estaba yendo exactamente donde debía ir. Esa sensación de peligro latente —de que todo podía venirse abajo en cualquier momento— se filtró en el sonido final: capas de sintetizadores densos, canciones largas, emociones sin filtrar.

Para el grupo, el episodio fue casi traumático. Algunos miembros veían la grabación como un pozo sin fondo, caro, oscuro y emocionalmente agotador. Para Smith, en cambio, el fuego fue una confirmación: Disintegration no debía ser cómodo, ni luminoso, ni fácil. Tenía que doler.

Con el tiempo, la anécdota del incendio se convirtió en parte del mito del álbum. No destruyó cintas maestras ni acabó con canciones, pero encendió definitivamente la conciencia de que estaban creando algo frágil, intenso y único. Como el propio disco, aquel fuego no arrasó: dejó cicatrices. Y esas cicatrices, de algún modo, siguen ardiendo cada vez que suenan sus canciones.

1 Plainsong 5:15

2 Pictures Of You 7:28

3 Closedown 4:21

4 Love Song 3:30

5 Last Dance 4:47

6 Lullaby 4:12

7 Fascination Street 5:16

8 Prayers For Rain 6:07

9 The Same Deep Water As You 9:22

10 Disintegration 8:23

11 Homesick 7:09

12 Untitled 6:30

Artwork [Art] – Parched Art

Bass, Keyboards – Simon Gallup

Drums – Boris Williams

Engineer [Assistant Engineer At Outside] – Richard Sullivan

Engineer [Assistant Engineer At Rak] – Roy Spong

Guitar [Guitars] – Porl Thompson

Instruments [Other Instrument] – Laurence Tolhurst

Keyboards – Roger O'Donnell

Music By – Williams*, Tolhurst*, Thompson*, Smith*, O'Donnell*, Gallup*

Producer [Produced By], Engineer [Engineered By] – David M. Allen, Robert Smith

Voice, Guitar, Keyboards – Robert Smith

Words By – Robert Smith

La gira de Disintegration (1989–1990): cuando The Cure se subió al escenario con el alma a la intemperie.

La gira de Disintegration no fue una celebración. Fue una prueba de resistencia. Un viaje largo, oscuro y emocionalmente agotador en el que The Cure llevaron al escenario un disco que no estaba pensado para entretener, sino para exponer heridas. Cada concierto era menos un espectáculo y más una confesión pública, repetida noche tras noche, ciudad tras ciudad.

Desde el principio quedó claro que aquello no iba a ser una gira al uso. Robert Smith ya había advertido que Disintegration sería “el último gran disco serio de The Cure”, una frase que sonaba a amenaza y a despedida. Y así se vivieron los conciertos: como si algo importante estuviera a punto de terminar, aunque nadie supiera exactamente qué.

Los shows eran largos, densos, casi rituales. La iluminación era mínima, deliberadamente sombría. No había pirotecnia emocional ni sonrisas de compromiso. Smith aparecía en escena con el rostro maquillado como siempre, pero más cansado, más encerrado en sí mismo. Cantaba muchas veces con los ojos cerrados, como si el público no estuviera allí o, peor aún, como si estuviera demasiado cerca.

Musicalmente, la gira fue imponente. Las canciones de Disintegration crecían en directo:

“Plainsong” abría los conciertos como una misa laica, con ese teclado inicial que parecía caer desde el techo del recinto.

“Pictures of You” se estiraba durante minutos, convertida en un lamento colectivo.

“Fascination Street” y “Prayers for Rain” sonaban más físicas, más opresivas, casi amenazantes.

Pero lo verdaderamente humano no estaba solo en la música, sino en lo que se percibía entre canción y canción. Smith hablaba poco. A veces nada. Cuando lo hacía, sus palabras eran secas, irónicas o directamente derrotadas. No intentaba conectar con el público: parecía aguantarse a sí mismo.

El contraste llegaba en los bises. Tras más de dos horas de oscuridad emocional, The Cure solían cerrar con temas más luminosos de otras épocas: “Just Like Heaven”, “In Between Days”, “Boys Don’t Cry”. Pero incluso ahí había algo extraño. Sonaban casi como recuerdos lejanos, como fotos amarillentas sacadas de un cajón. El público saltaba, sí, pero la banda —especialmente Smith— parecía tocar esas canciones con una mezcla de cariño y distancia, como quien visita una casa en la que ya no vive.

La gira fue agotadora psicológicamente. Smith bebía mucho, dormía poco y estaba obsesionado con que el sonido fuera perfecto. Cada concierto tenía que recrear esa atmósfera densa del disco, sin concesiones. La presión era enorme, y el propio líder del grupo empezó a sentirse atrapado por la criatura que había creado. Disintegration había conectado profundamente con el público, pero a costa de consumirlo por dentro.

En entrevistas posteriores, Smith reconocería que esa gira fue una de las más duras de su vida. No por problemas técnicos ni por falta de éxito —todo lo contrario—, sino porque cada noche tenía que volver a habitar emociones que no estaban resueltas: miedo al abandono, al paso del tiempo, a la pérdida del amor y de la identidad.

Y, sin embargo, el público lo entendió. Había algo casi terapéutico en esos conciertos. Miles de personas en silencio, balanceándose en la oscuridad, compartiendo una tristeza que no necesitaba explicación. No eran conciertos para gritar; eran conciertos para sentir. Para muchos fans, ver a The Cure en esa gira fue una experiencia transformadora, casi íntima, pese a los grandes recintos.

Cuando la gira terminó en 1990, Smith estaba exhausto y convencido de que no podría volver a hacer algo así. Y quizá por eso Disintegration ocupa un lugar tan especial en la historia del grupo: no solo como obra maestra de estudio, sino como un acto de honestidad llevado al límite en directo.

Aquella gira no buscó complacer. Buscó sobrevivir. Y en ese intento dejó algunos de los conciertos más intensos, humanos y emocionalmente desnudos que The Cure haya ofrecido jamás. No fue una despedida, pero sí un punto de no retorno: después de Disintegration, tanto la banda como su público ya sabían que habían compartido algo irrepetible.

BOOTLEGS

The Cure Disintegration Live

1. «Plainsong» 

2. «Pictures of You» 

3. «Closedown» 

4. «Lovesong» 

5. «Last Dance» 

6. «Lullaby» 

7. «Fascination Street» 

8. «Prayers For Rain» 

9. «The Same Deep Water As You» 

10. «Disintegration» 

11. «Homesick» 

12. «Untitled»  

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The Cure - Rare Disintegration Sessions

The Cure - Disintegration Rare Sessions - Unreleased Demos

Delirious Night (Extended Version)

Lullaby (RS3 Arched - RS Home Demo)

Fear Of Ghosts (Roger's Home Demo)

Babble (Studio Demo)

Noheart (Alternate Version)

Pictures Of You (XP - RS Home Demo)

Prayers For Rain (Studio Demo)

Esten (Extended Version)

Lullaby (Studio Demo)

Todas las canciones son instrumentales y son inéditas.

Estas no son las versiones que aparecen en la edición de lujo.

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